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기태희 개인전 아홉 번째 "꽃을 피우다(Blossoming)" 갤러리 라메르에서 개막돼
기태희 화백의 아홉번째 개인전이 인사동 갤러리 라메르에서 3월20일 개막되어 오는 26일까지 계속된다.
기화백은 이번 작품에 대해서 "꽃을 피우다(Blossoming)"는 인생의 성공과 결실을 비유적으로 표현한 말입니다. 본 작품 또한 식물이 무성하게 자라고 꽃이 피어 어우러진 화원의 아름다움과 생동감을 소재로 성취의 기쁨과 행복감을 간접적으로 표현한 작품입니다. 다만, 자연으로부터 느끼는 일상의 아름다움이 아니라 주관을 가진 자아가 자연의 중심으로 감정을 이입하여 그것을 재해석하고 자연과의 관계를 새롭게 규정하는 나만의 방식을 통해서입니다. 이 꽃이 무슨 꽃이냐고 물어보시는 분이 많은데 여기에 표현된 꽃과 식물은 세상에 존재하지 않는 것들입니다. 자연이 가진 아름다움과 생명력을 나의 욕구만큼 차용했기 때문이죠. 그 욕구는 색채에서 더욱 두드러지게 나타납니다. 정제되고 균질화된 색면으로 밝고 강렬한 색채를 구사하여 화면속에서 색이라는 상징적인 기능을 강화하였습니다.
나는 행복해지고 싶습니다.
아니 이미 행복할 지도 모릅니다.
그 행복은 더욱 건강하고 완벽한 것이어야 하며 모든 사람과 함께 나눌 수 있는 것이어야 합니다. 라고 설명하였다.
기태희 화백은 2002년 롯데백화점 대덕갤러리에서 첫 전시회를 연후 서울 세종문화회관 전시를 비롯하여 매년 꾸준히 전시회를 개최해온 뚝심 있는 예술가로 정평이 나있다. 그녀는 이번 인사동 아홉 번재 전시회를 위하여 지난 1년간 매일 10시간정도 작업을 쉬지 않았다고......
(keetaehee@naver.com)
기태희- ‘자연과 이미지 그리고 자유로움’
김광환(영상예술학. 목원대학교 교수)
괴테는 “자연은 살아있지만 무관심한 이미지를 조직한다. 예술가는 죽어있지만 의미 있는 이미지를 조직 한다. 자연은 실재적 이미지를 조직하지만 예술은 가상적 이미지를 조직한다. 자연의 작품에서는 보는 사람이 먼저 의미, 감정, 생각, 효과, 영향을 마음 그 자체 속에 들고 들어가야 하지만, 예술작품에서는 보는 사람이 이 모든 것을 이미 찾고자 하고 또 찾아내지 않으면 안 된다”라는 말로 자연에 대하면서 마음속에 생겨나는 감정적 관계를 설명하고 있다.
자연감정은 역사적으로 발전되어왔다. 자연에서 아름답다고 느껴지는 것의 범위가 문명의 발전과 함께 점점 크게 확장되어졌는데, 자연감정은 시간이 지나면서 단순히 우아한 것을 넘어서는 방향으로 발전하였으며, 19세기에 이르러 일상적이고 평범한 자연의 부분들이 발전하기 시작하였고 심지어는 거대한 도시가 ‘풍경’으로 느껴지는 상황으로 발전된다. 또한 주관성이 중요한 역할을 하기 시작하면서 주관성이 자연감정 전체를 포괄하는 요인이 되기에 이른다. 자연을 체험하는 개별적 인간들의 주관성이 자의식을 가지고 자연의 감정의 중심부로 강력하게 나아가면 갈수록 사회적 제반 경향들은 점점 더 뚜렷하게 개별적 인간들의 자연과의 관계를 규정하는 중요한 요소로서 나타나게 되었다.
서정적인 것의 영역은 아무런 제한 없이 보이는 보편적이고 완전 독립적인 주관성에 의해 지배됨에 따라 여기에서 자연의 정확한 묘사는 추구되지 않게 된다. 동일한 자연현상이 작가에 따라 전혀 다른 감정의 역점을 가지고 표출될 수 있다. 자연의 이미지는 자연현상의 객관적 상관관계를 밝히려는 의도를 지닌 포괄적 묘사로부터 생겨나는 것이 아니며 자연현상의 필연성을 환기시키고자하는 작품에서 조차 대상들의 관계와 그것들의 상호 얽힘은 객관 그 자체에 의해서가 아니라 오히려 주관성에 의해 규정된다. 그러한 주관성의 순간적인 상태와 감동을 표현함으로써 예술작품이 생겨나는 것이다. 그림의 주체는 특수한 삶의 상황 속에 처해있는 인간이고 또 그의 위치로부터 만이 내면성의 결정적 구성요소들이 인지될 수가 있는 것이다. 자연은 상황의 특수성을 통하여 어떤 주어진 순간에 예술가의 영혼에 가장 중요하다고 생각되는 것을 그의 마음속에 펼치도록 만든다. 자연과 주관성 사이에 존재하는 그의 시대에 전형적인 상응관계를 밝혀낼 수도 있지만 그러나 그림 자체는 언제나 내부와 외부 사이의 불가분의 연결성을 드러내고 있고 또 이러한 상호연결성 속에는 주관성이 우위를 점하게 된다고 루카치는 말하고 있다.
이미지란 말은 겉으로 보기에는 서로 상관관계가 없어 보이는 모든 종류의 의미로 사용되고 있다. 일반사람들은 그 단어가 어떤 것-항상 보이는 것을 가리키지는 않으나, 보이는 것으로부터 몇몇 특징들을 빌려오는 ‘그 어떤 것’-을 지칭한다고 이해하고 있다. 이미지란 단어는 꿈 이미지를 통한 언어, 정신적 표상과 같은 심리적인 활동을 지칭할 때 흔히 사용된다. 이미 문자, 종교, 예술, 사자(死者) 숭배의 기원에서부터 존재한 이미지는 철학적 성찰의 핵심 태마였다. 특히 플라톤과 아리스토텔레스는 동일한 이유로 이미지를 비판하기도 하고 옹호하기도 하였다. 플라톤에 따르면 모방적인 이미지는 속임수이기도 하고, 아리스토텔레스에게 따르면 교육하기도 한다. 모방적인 이미지는 진리로부터 벗어나기도 하고 반대로 지식에로 인도하기도 한다. 이미지는 매우 약한 영혼을 미혹에 빠트리기도 하고 이미지 모방을 통해 쾌락을 얻기도 한다. 플라톤의 눈에 비친 유일하게 좋은 이미지는 ‘자연적’ 이미지 즉 반영이나 그림자로써의 이미지로서 그것만이 철학적 도구가 될 수 있다고 말한다.
이미지란 새롭게 만들어진 또는 재생산된 시각이다. 그것은 최초에 나타나서 받아들여진 장소와 시간으로부터 잠깐 또는 수세기나 떨어진 외관이며 모든 이미지는 사물을 보는 시각을 구체화 한다. 화가의 견해는 그가 그리는 캔버스의 모양에 의하여 재구성되며, 모든 이미지는 사물의 보는 방법을 구체화하고 있다든지 그 이미지에 관한 판단이나 지각은 우리들 자신의 견해에 의존하고 있다. 이미지의 종류를 굳이 나누자면 사랑스러움이나 혐오스러움과 같은 감정과 결부된, 잠재의식의 영향으로 인한 마음속에 저절로 떠오르는 심상이 있고, 이미 오래전에 경험을 통하여 얻어진 기억이미지와 인간과 대상의 만남을 통하여 얻어지는 대상이미지가 있다. 이러한 이미지들은 작가에게 있어서 창작의 중요한 역할을 담당한다.
기태희 작가는 자연과의 만남에서 일어나는 주관적 이미지를 구체화하는 작업을 지속해오고 있으며 상당히 많은 시간을 그림에 쏟아 붓는 작가이다. 작품소재와 표현방법의 다양성에도 불구하고 자연에 대한 남다른 애정이 작품 속에 일관되게 흐르고 있는데, 대상에 대한 매 순간의 깊은 애정이 작품 한 점 한 점에 깊이 베어있다. 작가의 작품에 대한 태도는 정열 그 차체로 보아도 무방할 것 같다. 그림에 대한 정열은 인상파 화가인 고흐를 연상시키는데 그녀의 작품 속에는 소위 예술의 형식이 아니라 정열이 우위를 차지하게 됨으로써 작품의 생명력을 유지시키기 때문이다. 고흐의 작품은 형식이 아니라 끓어오르는 생명력 그 자체이다. 형식이 중요하지 않다는 것은 아니지만 아무리 형식을 잘 갖추었다 하더라도 거기에 애정과 생명력이 없는 작품은 이미 작품으로서의 가치를 상실한 것과 같다고 볼 수 있다.
기태희의 작품은 현대적인 의미의 카오스이다. 그것은 단어가 가지고 있는 혼돈이라는 개념으로서의 의미가 아니라 미리 계획하고 숙고하는, 정형화된 상태의 안정된 상태의 표현이라기보다는 매 순간 순간 떠오르는 수많은 이미지에 대한 선택의 자유분방함이라 하겠다. 자신의 작품스타일이 어떤 것인가 하는 질문은 기태희에게는 부질없는 질문이 될 것 같다. 그녀는 자신의 작품세계에 대한 정체성을 일관된 상태로 드러내는 것 보다 카오스적 변화와 다양성을 자신의 화두로 여기기 때문이다. 이번 작품전에서 드러나는 작품에 대한 정열과 자유분방함이 앞으로는 어떻게 변화되어 펼쳐지게 될지 사뭇 궁금해진다.
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