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[작가의 외출] 展 곽수영, 권혁, 김소형. 김지혜, 김지희, 나안나, 박소라, 변연미, 심봉민, 유선태, 윤병운, 이상원, 이이정은, 차소림, 최승희, 한영 -갤러리 나우
2021년 8월 17일(화) - 8월 30일(월) (일요일 휴무)
10am - 7pm
갤러리 나우 _ 서울시 강남구 언주로 152길 16 (신사동 630-25)
02-725-2930 / gallerynow@hanmail.net
[전시서문]
그룹 23,5°의 14번째 전시회가 갤러리나우에서 열린다.
23,5°은 23,5°로 기울어진 지구의 모습처럼 남들과는 다른 시각으로 세상을 바라보는 작가들의 모습을 나타내고자 지은 그룹명이라 한다.
그룹 23,5°는 젊은 작가들이 참여할 수 있는 전시 기회를 마련함과 동시에 전시를 통하여 젊은 작가들과 화랑이 같이 일할 수 있는 연결고리를 만들고자 첫 전시회를 기획하였고 지금도 그 명맥을 이어오고 있다.
처음에는 10명도 채 되지 않았던 참여작가들이 13회를 거치는 동안 19명으로 늘어났고 8곳의 갤러리에서 꾸준히 전시회를 열었다.
전시회가 지속적으로 이루어져오면서 그룹23,5°는 젊은 작가 들 뿐만이 아니라 중견작가들도 참여하기 시작했다. 이는 전시회의 내용을 좀더 풍성하고 다양하게 구성해보자는 시도와 예술에 있어서 새대 간의 서로 다른 의식과 경험들을 교환하고 소통해보자는 의도였다.
20대에서 60대에 이르기까지 다양한 연령층의 작가로 구성된 그룹 23,5°는 하나의 공통된 개념이나 주제로 전시를 열기도 하고 주제없이 자유롭게 친목회처럼 전시를 이루는 등 다양한 시도를 하였다.
이번 <작가의 외출>은 지난 2년 가까이 우리의 삶을 구속하고 움츠려 들게 한 코로나를 떨치고 외부를 향한 새로운 희망과 의지를 의미한다. 모든 사람들이 힘든 시기를 겪은 만큼 많은 작가들 역시 창작활동과 전시회에 많은 고통과 어려움을 겪어왔지만 그 힘든 시기를 극복해 온 것 또한 사실이다. 이번 그룹전시는 그런 의미에서 코로나 상황을 극복해왔던 16인 작가들의 예술에 대한 의지와 끊임없는 열정을 느낄 수 있는 전시다.
[약력 및 작품이미지]
곽수영
학력
1980 홍익대학교 미술대학 회화과 졸업
1983 도불
1987 파리 소르본느 8대학 조형미술학 석사
현 가나 장흥아뜨리에 작업중
개인전
2020 올미아트스페이스, 서울
2016 갤러리 phd, 프랑스
2009 갤러리 89, 프랑스
갤러리 JMD, 프랑스
2006 파리문화원 초대작가전, 프랑스
2005 가나인사아트센터, 서울
세종갤러리, 포항
2001 갤러리아트사이드, 서울
2000 갤러리 가나보브르그, 파리
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 한국 프랑스 Korean artists 특별전, 쉐마미술관, 충주
2018 우리집은 어디인가(where is the our home), 예술의 전당, 서울
Art paris, 그랑빨레, 파리
시간의 재현전, 바스티유디자인 센터,파리
세한삼우, 동원갤러리, 대구
2017 le temps visible, 갤러리 파리오리죵, 프랑스
2016 아트파리, 313아트프로젝트,그랑팔레, 프랑스
Asia Now, 에스파스 피에르까르뎅, 프랑스
2015 Seoul-Paris-Seoul : Figuration coreenne, 세르뉘치미술관, 파리8구 미술관
[곽수영 작품이미지]
<곽수영_Jeu de lumière-5, 72.7x60.6cm, Acrylic, 2021>
권혁
학력
1997 크랜브룩 미술대학원 졸업, MFA, 미국
1991 홍익대학교 미술대학원 졸업
1989 홍익대학교 미술대학 졸업
주요 개인전
2019 구름이 낯을가리고, 씨알콜렉티브, 서울
2018 Flux, 자작나무 갤러리, 서울
2017 Controlled and Uncontrolled, 스페이스 윌링앤 딜링, 서울
2016 COSMOS, space k, 대구
2014 Nature DMZ, 박수근미술관, 강원도
2013 Energyscape, 세브란스 아트 스페이스, 서울
2011 Grasp the Phenomenon, 소마미술관, 서울
2010 JOURNEY, 갤러리 현대 16번지, 서울
2008 나누다프로젝트, 갤러리 팩토리, 서울
2006 움직이다-Moving Project, 갤러리 인, 서울
2004 THREAD, 킹스우드로열 갤러리, 미시간, 미국
주요 단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
바다보다그렇다, 권혁,정용국2인전, 공-간, 서울
BAMA 부산국제화랑아트페어, 부산
2020 BAMA 부산국제화랑아트페어, 부산
타이페이 아트페어, 타이페이
소마미술관 소장품전, 소마미술관, 서울
2019 2018 SeMA신소장품전 멀티-엑세스 4913,서울시립미술관, 서울
리센워크갤러리 프로젝트, 광주아시아문화전당 미디어월, 광주
시작의 힘, 강동아트센타 아트랑, 서울
2018 회화의 질감, 가나아트, 부산
씨실과 날실로, 서울시립미술관
2017 Korean Eye/START, 사치갤러리, 런던
PROJECT ACTS 2017, 씨알 콜렉티브, 서울
수원 아트 프로젝트 2017, 실험공간 UZ, 수원
‘Meditation & Material’ 아뜰리에 아끼, 서울
화가의 자화상, 갤러리 두인, 서울
2016 한예종미술원 20주년기념전, 아트선재, 서울
채러티바자전, Space K, 과천
2015 Mindful Mindless, 소마미술관, 서울
인피니티, space k, 과천
2014 네오 산수, 대구 미술관, 대구
온기, 문화역 284, 서울
Draw, LIG ART SPACE, 서울
ART & DRAW, 신세계 갤러리 인천.
2013 innovators and legends, Muskegon Museum of Art, 미시건, 미국
innovators and legends, Schweinfurth Art Center, 뉴욕, 미국
인지된 풍경, 아라리오 갤러리, 서울
2012 up and comers, 토탈미술관, 서울
2011 공존&상생, 제주도립미술관, 제주도
2010 Time and Space, 제주현대미술관, 제주
16번지 특별전, 갤러리현대 16번지, 서울
2009 The Seoul art exhibition 2009, 서울시립미술관, 서울
Mindscape of 21 century, 앤드류제임스갤리리, 상하이
lead in Korea, 위드스페이스갤러리, 베이징
2000 젊은 모색전, 국립현대미술관, 과천
수상
2018 한국문화예술위원회 서울문화재단 중견작가작품집지원 수상.
2013한국문화예술위원회 서울 문화재단 전시지원 수상
2012파라다이스 문화재단 전시 지원 수상
주요소장처
국립현대미술관(미술은행), 경기도 미술관, 소마미술관, 박수근 미술관, 서울시립미술관
작가노트
바다는 지구표면의 70%를 차지하고 있다.
바다를 무척 좋아한다. 바다를 보고있으면 나도 모르게 가슴이 시원해 지면서 뭔가 막혔던 게 뻥 뚫리는 기분이다. 바다는 존재 자체만으로 든든함과 아련한 그리움 같은 완전히 상반된 기분이 든다. 가끔 이상하게 힘들 때 바다 생각이 난다. 이유없이 바다를 보고 오면 다시 기분이 좋아지고 기운이 난다.
오래전에 제주도에서 몽골작가들과 레지던스 프로그램이 있었다. 누구나 알다시피 제주는 바다로 둘려 싸인 섬이다. 몽골 고비사막의 레지던스가 이어져 제주도에서 다시 열린 것이다.
놀라운 것은 몇몇 몽골작가들이 바다를 처음 본 것이다. 바다를 본 몽골 작가들이 마치 어린아이처럼 팔짝팔짝 뛰며 좋아했다. 그 모습은 나에게 무척 강한 인상을 주었다. 바다를 처음 본다는 것이 너무 신선하고도 놀라웠다.
오래전부터 물과 바다를 그려왔는데, 그때 파도를 가지고 작업을 하고 싶었다. 바다를 형과 색으로 분리하자 생각하고, 파란 바다색 천을 구입하고, 동그라미, 세모, 네모등의 기하학적인 형상들을 고무줄로 만들었다. 늘어난 고무줄의 기하학적인 형태를 미술관 앞마당 나무에 연결하고 넓게 설치하고, 바람에 날리는 푸른색 천으로 만든 작품 제목은 ‘파도를 널어 햇볕에 말리다.’ 제주 현대미술관에서 설치하여 전시를 하고, 그해 레지던스는 마무리 되었다.
그 후, 몇 년이 지났다. 평면으로 옮겨 물과 물감을 혼합하여 마치 파도를 떠 낸 듯한 방법으로 다시 제작했다. 평면의 느낌은 설치 때와는 전혀 다른 느낌이다. 마치 파도를 색을 입혀 떠낸 듯 물의 순간적인 움직임을 포착하고자 했다.
[권혁 작품이미지]
< 권혁_파도를 널어 햇볕에 말리다, 45.5x45.5cm, Acrylic on Linen, 2021>
김소형
학력
2003 홍익대학교 일반대학원 섬유미술과 졸업
1993 홍익대학교 미술대학 섬유미술과 졸업
개인전
2021 김소형展, 프린트베이커리 롯데월드타워, 서울
2020 Peoplescape, 리나갤러리, 서울
2019 FLOW, 아트스페이스에이치, 서울
2017 꿈을 향한 왈츠, 올리비이박 갤러리, 서울
2016 아트서울 2016, 예술의전당 한가람미술관, 서울
갤러리 마노 이전 기념전 “김소형”, 갤러리마노, 서울
PEOPLE, 유경미술관, 거제
2015 세상 사람들, 아트스페이스 H, 서울
꿈을 향해..., 아트스페이스 H, 서울
2013 SPACE+HUMAN, 갤러리We, 서울
2012 김소형 되돌아보다, 갤러리We 1,2관, 서울
항해 - 길을 떠나다, 갤러리We, 서울
2011 We are the world, 갤러리We, 서울
Inner Space, 갤러리We, 서울
2006 두산 뉴 아티스트 페스티발, 두산아트센터, 대구
2005 김소형, 도도헌 갤러리, 헤이리, 파주
circulation of life, YE갤러리, 서울
2003 내게 묻다, 관훈 미술관, 서울
주요 단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
조형아트서울 2021, COEX, 서울
부산 BAMA 2021, BEXCO, 부산
아트타이난 아트페어, 타이난, 대만
화랑미술제 2021, COEX, 서울
2020 프린트베이커리 “이음”전, 그림손갤러리, 서울
23.5도, 김현주갤러리, 서울
소확행, 갤러리일호, 서울
배터시 아트페어, 런던배터시, 영국
2019 23.5도 “상상”, 갤러리자작나무, 서울
2018 프린트베이커리 아트슈퍼마켓, 인사아트센터, 서울
한국 섬유미술의 흐름, 대산미술관, 창원
풍경전, 갤러리자작나무, 서울
가즈아 프린트베이커리, 인사아트센터, 서울
The beautiful moment of Asia, 짱띠엔미술관, 베트남 하노이
2017 화가의 자화상, 갤러리 두인, 서울
FUN:fun, 640아트 갤러리, 서울
2016 갤러리AE 개관전, 갤러리AE, 서울
홍익섬유조형전, 홍익대 현대미술관, 서울
예술이란?, 갤러리 반디트라소, 서울
사람들, 갤러리 바이올렛, 서울
2016 아트스페이스 H 재개관전, 아트스페이스 H, 서울
동서양의 만남, 수원미술관, 수원
2014 2014 행복나눔전, 아트스페이스 H, 서울
시간 속에서, NH Lakeside Art Gallery, 용인
2013 6+1=예술본색, 갤러리 두인, 서울
제32회 홍익섬유조형전, 홍익대학교 현대미술관, 서울
화성작가, 금성현대인을 만나다, 갤러리 반디트라소, 평창동
2009 제18회 섬유12월전, 국립중앙의료원미술관, 서울
2007 제34회 공예가협회전, 서울시립미술관, 서울
2006 제25회 홍익섬유조형전, 서울시립미술관, 서울
제15회 섬유9월전, 세종문화회관 광화문 갤러리, 서울
2005 제39회 한국미술협회전, 예술의전당 한가람미술관, 서울
남남북녀, 가나아트 갤러리초대전, 서울
2004 제13회 섬유12월전, 종로갤러리, 서울
Object & Objects기획전, 가나아트스페이스, 서울
한국 현대미술 새 물결전, 인사아트프라자, 서울
외 총 250여회
수상
2015 대한민국문화예술상 미술부문 대통령상 표창
2014 동강사진상 수상
2003 강원다큐멘터리 작가상 수상
2000 이명동 사진상 수상
작품소장
국립현대미술관 미술은행, 알리바바, 유한양행, 요넥스코리아, 서울병원, 대구W병원, 한사랑내과, 갤러리한빛치과, 주)ST원창, 갤러리두인, 갤러리마롱, 세오갤러리, Ye갤러리 외 개인소장 다수
[작업노트]
세상 사람들 (People)
창밖의 세상 사람들을 바라보았다.
다양한 모습의 사람들이 바삐 지나다닌다.
한 사람에 생각 하나, 그 다채로움을 본다.
얼핏 보면 다 같은 사람들로 보이나 다 다른 모습의 사람들이다.
군중이란 단어에 휩쓸린 개인의 상실을 본다.
멀리서 보는 ‘군중’과 가까이에서 느끼는 ‘사람’의 너무나 큰 차이를 본다.
그들은 마치 기계처럼 살아간다.
기계의 부속이 된 것처럼 말이다.
가까이에서 보는 사람은 하나의 ‘우주’다
인간은 하나의 작은 우주라고도 하지 않는가?
사람은 그만큼 소중하고 귀한 것이다.
그러나 우리는 그 소중함을 상실한 채 살아가고 있다.
그 사람들이 우주처럼 귀한 것이 되는 것을 꿈꿔본다.
요즘 제 작업은 얼굴색도 다양하고 머리카락색도 다양하고 크기도 다양한 지구의 모든 사람들로 가득 차 있습니다.
한 사람 한 사람의 개인의 모습은 군중 속에 묻혀버리고 군중 속에서 더더욱 외로움과 고독을 느끼지만 결국 우리는 한 사람 한 사람이 모여서 또 한 덩어리를 이루며 서로 더불어 살아가야 더 행복해질 수 있음을 나타내는 작품입니다.
[평론글]
김소형의 행복론, 풍요의 꿈을 좇는 일상의 행진
행복이란 무엇일까? 김소형의 작품은 ‘행복에 대한 물음’으로 시작한다. 그것은 눈에 보이거나 직접 손에 잡히진 않지만, 분명히 존재한다고 믿는 것이다. 보통은 마음을 비우면 행복해진다고 한다. 그렇다면 우리는 ‘속이 빈 상자’를 가지고 태어나서 채우고 비우길 반복하는 것일까, 아니면 ‘꽉 찬 상자’였기에 조금씩 덜어내면서 살아가야 한다는 것일까? 과연 마르지 않는 샘물처럼 끊임없이 솟는 사람의 욕심은 어떻게 극복할 수 있다는 말인가? 김소형은 그림을 통해 행복의 정의를 찾아가는 과정을 보여준다.
인간은 누구나 행복한 삶을 영위하고 싶어 한다. 오늘날 현대인은 넘치도록 풍요로운 무한의 세계 속에 살아간다. 하지만 그렇게 많은 것을 소유하고도 늘 부족함으로 목말라 한다. 이런 행복을 어떻게 정의할 수 있을까. 흔히 행복은 겉으론 보이지 않아 ‘행복함을 느끼는 감정의 상태’로 인식할 수 있다고 말한다. 그러나 진정한 행복을 그런 ‘감정을 느끼는 상태’로만 얻을 수 있을까. 김소형 작가는 의외로 행복을 찾는 간단한 방법을 제시한다.
“이 세상에 태어나 죽음으로 이르기까지의 삶 중에서 인간은 인간들과 얽혀 모든 이야기들을 전개한다. 인간은 제각기 다른 모습으로 살아가지만 결국엔 혼자서는 살 수 없고 서로가 의지하며 하나가 되었을 때 비로소 행복이 찾아온다. 그들의 이야기, 즉 인간의 모습들을 그려보고 싶어서 우리의 모습을 작은 인형으로 제작하여 오브제로 사용하였다. 그들은 늘 풍요롭고 행복하길 바란다.”
김소형 작가가 말하는 행복은 ‘서로 의지하며 하나가 되기 위해 더불어 사는 것’에서 찾을 수 있다고 한다. 실제 그녀의 작품 속에 등장하는 주인공은 ‘군중(群衆)’―일일이 손으로 만든 작은 인형들―이다. 특히 ‘인간들이 살아가는 공간’에 깊은 관심을 갖고 있다. 그 안에서 사는 우리들의 모습을 포착한 것이다. 한 사람이 다니면 작은 흔적이 남지만, 많은 사람이 다니면 길이 된다는 말이 있다. 김소형 작가 역시 개인의 흔적보다는, 보다 많은 사람들이 어우러진 생동감 넘치는 정겨운 장면을 연출한다. 그래서일까, 김소형의 그림에선 적어도 많은 이에게 둘러싸여 있으면서도 정작 본인은 극심한 외로움을 느낀다는 ‘군중 속의 고독’은 찾아볼 수 없다.
김소형 그림에서 또 하나 눈길을 끄는 요소는 그 많은 사람들이 어디론가 향하고 있다는 점이다. 목적지는 그리 중요하지 않다. 외롭거나 불안한 감정을 극복하려는 움직임여도 좋다. 삶을 제대로 살려면 간혹 지성만으로는 부족하다. 때로는 머리보다 발이 더 앞설 수도 있다. 그녀는 작품을 통해 행동과 실천이 중요하단 것을 보여준다. 프랑스 계몽가 루소의 “강물의 흐름에 따라 부드럽게 즐겁게 배를 저어라. 이것이 곧 삶이다. 산다는 것은 호흡하는 것이 아니라 행동하는 일이다.”라는 말처럼, 김소형은 감정보다 ‘어떤 행위’에 주목하고 있다.
잰걸음으로 어딘가를 향해 ‘행진’하는 김소형의 사람들, 그들은 마치 ‘행복은 마냥 편안하고 만족스러움에서 구하는 것이 아니라, 때론 힘들고 불편한 부정적인 측면을 감수하는 과정일 수 있음’을 보여주는 듯하다. 또한 배고픈 이에게 “진정한 행복이란 맛있는 음식을 먹는 상상보다, 그 음식을 얻기 위한 고된 노동을 감내할 때 더욱 값지다”는 기본적인 삶의 지혜를 전하는 듯하다. 우리는 태어나는 순간부터 죽음을 향한 경주를 시작한다. 그렇다고 죽기 위해 태어났다면 얼마나 허망할까? 결국 죽음은 한 순간이지만, 삶은 많은 순간이다. 일상적인 삶은 매 순간의 죽음을 극복하는 것이다. 그래서 김소형이 포착한 행진하는 사람들의 모습이 더욱 애절하면서도 동시에 더욱 숭고해 보이는 것은 아닐까.
김소형은 작품 <가는 길> 혹은 <행진>의 군중을 통해, 무수하게 반복되는 일상의 소중함을 일깨워준다. 법정 스님 역시 『산에는 꽃이 피네』에서 “다정한 친구로부터 걸려오는 전화 한 통화, 그 목소리를 통해서도 얼마든지 행복해질 수 있다. 일상적인 경험을 통해서 늘 확인할 수 있는 것처럼, 행복은 크고 많은 데 있는 것이 아니라, 극히 일상적이고 사소한 우리 주변에 있는 것이다.”라고 했지 않은가. 김소형의 작품도 생을 다해 떨어지는 낙엽도 어여쁘듯, 일상의 매 순간은 죽어가는 과정보다, 행복한 삶을 엮어가는 씨줄과 날줄이라고 말하고 있다.
김소형의 최근 작품에서 빼놓을 수 없는 중요한 모티브는 마치 헤엄치는 물고기처럼, ‘부유하는 사람들’의 형상이다. 그렇다고 정처 없이 떠도는 것은 아니다. 점점이 모인 수많은 사람들은 나무가 되기도 하고, 산이 되기도 한다. 이에 대해 작가는 “자연을 참으로 좋아한다. 자연의 아름답고 경이로운 모습을 보면 행복해진다. 아무런 욕심 없는 자연 속에서‘무(無)’로 돌아가는 동안 행복은 찾아오듯이, 우리 모두가 그런 세상 속에서 살아가길 바라는 마음이다.”라고 밝힌다.
그렇다면 사람들을 물고기 형상에 빗댄 구성의 아이디어는 어디에서 왔을까? 작가의 고향은 울산의 바닷가이다. 고향에 대한 기억 속에서 물고기에 관한 추억을 떠올리는 것은 지극히 자연스럽다. 때문에 김소형의 작품 <어릴 적에>, <꿈의 사다리>, <하나가 모여> 등을 더욱 편하게 이해하려면 먼저 물고기의 상징성을 함께 살펴봐야 한다. 동서양에서 물고기 도상(圖像)의 상징성은 매우 다양하다. 우선 동양의 불교에선 물고기는 밤낮으로 눈을 감지 않아 목어(木魚)로 만들어 수행자에게 ‘불면면학(不眠勉學)’의 본으로 삼았다. 서양의 기독교 역시 물고기의 형상은 아주 오랫동안 ‘예수 그리스도를 믿는 신자’를 상징하고 있다.
한편으로 아프리카 일부에서는 물고기가 부와 풍요, 그리고 치유의 상징으로 여겨졌다. 또한 ‘생명의 물을 주는 존재’로 여기는 부족도 있었다 한다. 우리 민족 역시 민화에 자주 등장시켰는데, 튀어 오르는 물고기 그림으로 입신출세를 표현하거나, 배가 부른 물고기 형상으로 풍요를 상징했다. 김소형 작가의 물고기 모티브는 종교적인 측면보단 ‘일상 속에서의 풍요로움을 통한 행복’을 염원하는 것에 가깝다.
작품 <하나가 모여> 한 점엔 두터운 마티에르의 물감 층을 올려 표현한 사람들은 무려 수천 명이 넘게 등장한다. 하나 같이 ‘어떤 희망’을 좇듯 위를 향해 날아오르고 있다. <꿈의 사다리>나 <어릴 적에> 작품 역시 제각각 다른 감정을 대변하듯, 색색의 사람들은 서로의 몸을 맞대어 거대한 나무를 만들고 있다. 헤르만 헤세는 “인생은 살만한 가치가 있음을 일깨워주는 것, 그것이 모든 예술의 궁극적인 목적”이라고 강조했다. 무수히 작은 사람들을 등장시킨 김소형의 작품 역시 진정한 행복이란 ‘풍요의 꿈을 좇는 일상의 행진’과도 같은 것이 아닐까, 되묻는 듯하다.
김윤섭(미술평론가, 한국미술경영연구소장)
[김소형 작품이미지]
<김소형_People(10-63), 53x41cm, Mixed media on canvas, 2021>
<김소형_People(10-64), 53x41cm, Mixed media on canvas, 2021>
김지혜
학력
2011년 홍익대학교 미술학부 회화과 졸업
개인전
2020 원초, 예술공간 서로, 서울
High Tide, 스페이스 mm, 서울
Pickles, 당진 문예의 전당, 충남
2019 Turn around lying down '고양우수작가전', 고양아람누리, 경기
Threeroom stitching, 예술공간 서로, 서울
2018 Plastikos pot, 갤러리도스 신관, 서울
외인 너머에 외인, 개방회로, 서울
2016 미필적 고의에 의한 행간, 스컬쳐 센터 로딩
외 다수
주요 단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 2021
2020 Nunc Fluens 흐르는 현재, FAS, 서울
2019 Imagination, 갤러리 화이트 버치, 경기
2019 Dolly dolly the space, 공간칠일, 서울
2018 드로잉 온 페이퍼, 예술공간 서로, 서울
풍경전, 갤러리 화이트 버치, 경기
2017 그룹 23.5도, 갤러리 두인, 서울
2016 그룹 23.5도, 갤러리 반디트라조, 서울
2015 그룹 23.5도, 이마주 갤러리, 서울
2011 서울 컨템포러리, 예술의전당 한가람미술관, 서울
외 다수
[평론글]
원초 '추상의 기원'
추상abstraction이란 다루기 힘든 용어이다. 우리는 배제의 과정을 통해 추상을 정의하는 경향이 있다. 즉 ‘추상이란 무엇인가’ 대신에 ‘추상이란 무엇이 아닌가’의 관점에서 접근하는 것이다. 직역하면 ‘~로부터 떼어놓아진’이라는 뜻을 가진 라틴어의 ‘압스트락투스abstractus’에서 파생된 추상의 개념은 어떤 대상의 핵심적이거나 본질적인 것의 의도적인 제거를 함축하고 있다. 시각예술의 경우에 있어서 이는 재현representation을 제거하고 현실세계에서 식별 가능한 사물과 일치하는 이미지의 어떠한 형식적 특성도 지워버리는 것을 의미한다. 미술에 있어서 추상의 시도는 20세기 초, 유럽 아방가르드의 일부 미술가들이 자신들의 작품에서 식별 가능한 소재들을 배제하기 위해, 기욤 아폴리네르가 ‘순수 회화pure painting’라 부른 경향을 추구했을 때를 그 시초로 볼 수 있다. 기욤 아폴리네르, “리얼리티, 순수 회화 Reality, Pure Painting”,『1902-1908 아폴리네르의 미술 에세이와 리뷰 Apollinaire on Art: Essays and Reviews 』, 1912, 수전 술레이만 번역, 뉴욕: 바이킹, 1982
이 새로운 예술 창작의 방식을 설명하기에는 어려움이 따랐기에 칸딘스키, 레제, 들로네 등의 화가들은 초기엔 ‘비재현적nonrepresentational’ 화가들로 분류되었다. 1930년대가 되어서야, 작품의 미적 속성보다도 작가의 예술적 충동의 이론적 토대에 더 중점을 둔 용어인 ‘추상 미술’의 개념이 자리 잡게 되었다.
미술에 있어 추상이 스타일, 테크닉, 혹은 시각화의 체계가 아니라, 보이지 않는 것들의 색다른 표현을 위한 조건으로서 나타났다는 것에 주목할 가치가 있다. 따라서 추상은 다른 무엇보다도 하나의 태도로서 간주하는 것이 적합하다. 그러한 감수성은 20세기 중반 추상 표현주의 화가들에 의해 본격적으로 파급되었으며, 미술 비평가 클레멘트 그린버그는 열렬한 옹호로 이 무섭게 성장하는 예술 운동에 힘을 실어주었다. 지난 세기 동안 근 현대 미술에 있어서 하나의 지배적인 담론으로서의 추상이 부침을 이어왔던 것과는 무관하게, 그린버그의 확신은 오늘날에도 여전히 유효하다. “어떤 매체의 미술이라도 그 미술을 통해 어떤 경험을 제공하느냐의 문제로 압축해보면 결국 관계와 균형을 통해 창조된다. 미술의 질은 다른 무엇보다도, 영감을 받고 느낌을 얻는 관계 혹은 균형에 따라 결정된다.” 클레멘트 그린버그, « 아방가르드적 태도 Avant-garde attitudes », 호주 시드니 대학교 강연, 1968년 5월 17일
이야기를 김지혜의 최근 추상으로 돌려보면, 풍경적 요소로서 그의 작품에 존재하는 선과 물방울과 형태의 결합을 시도하고 있다. 물감의 레이어들은 엇갈림 속에 부유하며 교차하다가 서로 충돌하고, 각 작품의 구성에 있어서 다양한 관점과 차별화된 피사계 심도로 지각적 잠재력을 높인다. 하지만 그 형태와 색상은 특정한 사물의 기표가 되기엔 불가해한 상태로 남아있다. 작가가 개별적 몸짓으로 이 작품들에 남긴 흔적들은 파도, 바위, 땅과 같은 자연의 형태들에서 영감을 받았을지도 모르지만, 그 사물들을 나타내고 있다고 볼 수 없는 상태로 멈춰 선다.
사실 김지혜의 그림들은 풍경의 논리를 초월해서 더 보편적인 언어를 취하고 있다. 작가는 미니멀한 표식을 통해 화면과의 다양한 관계를 정립하며, 그것들이 모여서 공간과 형식의 어법을 보여주는 시각적 문구, 문장과 단락을 구성한다.
이런 의미에서 김지혜는, 미술의 ‘원시성primitive’을 지향하면서 캔버스로부터 식별 가능한 이미지의 제거를 추구한 칸딘스키나 다른 화가들의 초기 실험에 영향을 미친 태도에 대한 경의를 표하고 있다. “우리처럼 그 순수한 화가들[프리미티브 화가들]은 그들의 작품 안에서 사물의 내적 정수를 포착하기를 원했고 이는 외부적이고 우연적인 것에 대한 거부를 불러왔다.” 바실리 칸딘스키, 『예술에서의 정신적인 것에 대하여 Concerning the Spiritual in Art 』, 1914, 마이클 T.H. 새들러 번역, 뉴욕: 도버, 1977
김지혜는 이 작품들에서 추상의 기원으로 돌아가고자 할 뿐 아니라, 관계 맺음으로부터 생겨나는 공명을 드러내는 회화적painterly 어휘를 통해 주관적인 경험의 우위를 주장하고 있다. 작가는 확신을 가지고 이 명제를 구현한다. 그 확신은 내면성을 중시하고 표현의 순수성에 도달하고자 하는 그의 그림에서 추상의 오랜 전통에 뿌리내리고 있는 영원한 필연성을 부여한다. 작가는 확신을 가지고 이 명제를 구현하는데, 그 확신이 그의 그림에 내면성을 중시하고 표현의 순수성에 도달하고자 하는 추상의 오랜 전통에 뿌리내리고 있는 영원한 필연성을 부여한다.
앤디 세인트 루이스
[김지혜 작품이미지]
<김지혜_부리에 따라 새가 무엇을 먹고 사는지 알수있다, 97x162.2, Acrylic on canvas, 2020>
< 김지혜_해안도로, 97x162.2, Acrylic on canvas, 2020 >
김지희
학력
2007 이화여자대학교 조형예술대학 한국화 전공, 미술사학 부전공 졸업
2009 이화여자대학교 조형예술대학 대학원 동양화 전공 졸업
개인전
2021 Keep shining, 갤러리나우, 서울
2020 찬란한 소멸의 랩소디, 표갤러리, 서울
2020 김지희 드로잉전 <종이 인형>, 쿤스트원, 서울
2019 뮤지엄 다 개관기념 김지희 초대전 MAXIMUM, 뮤지엄 다, 부산
2019 Twinkle Twinkle, 초이스아트컴퍼니, 서울
2016 Floating Wonderland, 표갤러리 남산 본관, 서울
2011 청작미술상 수상기념전 "Collection of Desire", 청작화랑, 서울
외 6회
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
화랑미술제, Coex, 서울
2020 홍경택, 이경미, 김지희 3인전 ICONIC, 아트딜라이트 갤러리, 서울
Super nature, 뮤지엄 다, 부산
Autumn vacation, 갤러리 일호, 서울
Super Collection, 슈페리어 갤러리, 서울
HOPE 2020, 갤러리 세줄, 서울
2019 ART FORMOSA, 타이베이
100 Movies 100 Artists, 잠실 롯데 에비뉴엘 아트홀, 서울
1956년 영국에서 현재 한국의 팝아트까지, 구하우스 미술관, 경기
부산 호텔아트페어, 파라다이스호텔, 부산
2018 Art Asia, Kintex, 경기
PAF, 바스티유 디자인센터, 파리
광주국제아트페어, 김대중 컨벤션센터, 광주
안녕하신가영, 아이파크미술관, 수원
아시아 호텔아트페어, 인터컨티넨탈 호텔, 서울
고양 국제 플라워 비엔날레 특별전-쿠사마야요이에서 민화까지, 고양 아람누리, 경기
안녕, 겨울왕국, 겨울왕국 특설 돔, 경기
부산아트쇼, Bexco, 부산
이상한나라의 괴짜들 : Paradise, K현대미술관, 서울
100 Albums 100 Artists – 대중가요, 롯데 에비뉴엘 아트홀, 서울
까치와 호랑이, GS칼텍스 예울마루 미술관, 여수
2017 Memento mori, 예술가방, 부산
ART LAB, 표갤러리, 서울
Art Kaohsiung, 가오슝, 대만
마포도서관 갤러리 개관기념전, 마포도서관 갤러리, 서울
마포아트센터 창립 10주년 기념전, 마포아트센터, 서울
아시아 호텔아트페어, 그랜드 인터컨티넨탈 호텔, 서울
허니문 스토리, 롯데갤러리, 서울
100 Albums 100 Artists, 롯데 에비뉴엘 아트홀, 서울
Young Art Taipei, 대만
LA Art Show, 로스 앤젤레스
Asia Contemporary Art Show, 홍콩
Premier Art Fair, 홍콩
Harbour Art Fair, 홍콩
그림, 문자로 말하다, 월전미술관, 이천
2016 Context Art Miami, 마이애미
아름다운 찰나 영원한 염원, 63미술관, 서울
MBC DMZ 페스티벌 특별전 - 우리, 얼굴, 상암 MBC, 서울
아시아 호텔아트페어, JW메리어트 호텔, 서울
고양 국제 플라워 비엔날레, 어울림 미술관, 경기
두바이 아트페어, World Trade Centre, 두바이
Young Art Taipei, Sheraton Grande Taipei, 대만
샤를 페로에게 현대미술을 묻다, 피노키오 뮤지엄, 파주
2015 부산국제아트페어 Bexco, 부산
Living with pop, GS칼텍스 예울마루 미술관, 여수
아시아 호텔아트페어, 콘라드 호텔, 홍콩
인도 첸나이 비엔날레, 라릿 카라 아카데미, 인도
그림일기, 양평 군립 미술관, 경기
Young Taipei Art Fair, Sheraton Grande Taipei, 대만
Bling Bling, 아트팩토리, 경기
2014 Double, 리나갤러리, 서울
Bank Art fair 2014, Pan pacific hotel Singapore, 싱가폴
에스티로더 핑크리본 캠페인전 PINK ART, 아라아트센터, 서울
Asia Contemporary Art Show, 콘라드호텔, 홍콩
W 아트쇼, 롯데호텔, 서울
아시아 호텔 아트페어, 롯데호텔, 서울
Adore me, 갤러리 위, 서울
오사카 호텔아트페어, 오사카 그란비아 호텔, 일본
2013 K-Surrogates, Art Amalgamated gallery, 뉴욕
아시아 탑갤러리 호텔아트페어, 콘라드 호텔, 홍콩
홍콩 컨템포러리 호텔아트페어, 홍콩
2013 PYO Project, 표갤러리, 서울
Beyond the face, 비원갤러리, 서울
2012 마이애미 아트페어 ART ASIA, 마이애미
KIAF, Coex, 서울
아시아 탑갤러리 호텔아트페어, 조선호텔, 서울
2011 KIAF, Coex, 서울
화랑미술제, Coex, 서울
뉴욕 레드닷 아트페어 Korean Art Show, 뉴욕
2010 moving on, 백해영 갤러리, 서울
통과의례 Relay Presentation, 수원시립미술전시관, 수원
쾰른아트페어 21, 쾰른엑스포, 쾰른
A selection of Artists from Southeast Asia, A.Jain Marunouchi Gallery, 뉴욕
Seeing : 5 female artists from Korea, Coningsby Gallery. 런던
Happy New Year From the East, Tacoma Contemporary, 워싱턴
2009 Paint !, Climate gallery, 뉴욕
눈동자, 두 개의 시선, Gallery the K, 서울
Mul-art show, 부산문화회관, 부산
Wonderful pictures, 일민미술관, 서울
현대 여성과 일 - Lunar's Walking전, 이화아트센터, 경기
베이징 송장예술제 한국관, 송장예술구, 중국
Fresh! Asian Paintings Now, Gallery Homelan, 오레곤
W.A.V.E전, 이화아트센터, 경기
2008 통과의례展, 수원시립미술전시관, 수원
소소, soso 웃어도 돼요?, 어울림 미술관, 경기
한국 미술 대학원생 작품 초대전, 단원미술관, 경기
외 다수
콜라보레이션
2019 앙드레김 콜라보레이션 <Andre Kim x Kim Jihee>
2018 스톤헨지 아티스트 콜라보레이션 <Stonehenge x Kim Jihee>
2018 크록스 아티스트 콜라보레이션 <CROCS X Kim Jihee>
2017 이랜드 그룹 창립 37주년 기념 콜라보레이션 <ELAND X Kim Jihee>
2017 도미노피자 아티스트 콜라보레이션 <Dominos Pizza X Kim Jihee>
2016 서울 브랜드 콜라보레이션
2016 중국 화장품 LIMI 콜라보레이션 <LIMI X Kim Jihee>
2016 LG생활건강 청윤진 10주년 기념 아트콜라보레이션 <ChungYoonJin X Kim Jihee>
2015 홍콩 뉴월드그룹 대형 쇼핑몰 D PARK 신년 기념 콜라보레이션 <D Park X Kim Jihee>
2013 대한적십자 헌혈의날 콜라보레이션
2013 걸그룹 ‘소녀시대’ 콜라보레이션 <GG X Kim Jihee>
2012 미샤 화장품 콜라보레이션 <MISSHA with Kim Jihee>
2011 패션브랜드 ‘제너럴아이디어’ 콜라보레이션
수상
2011 청작미술상
2007 일본 전일전 예술상
저서
<내 아이를 위한 그림 육아>(차이정원, 2017)
<하얀 자취>(이가서, 2015)
<그림처럼 사는>(공감의 기쁨, 2012)
<삶처럼 그린>(공감의 기쁨, 2012) 외.
작품소장
수원시립 아이파크 미술관, 홍콩 사브리나호 미술재단, 에이블씨엔씨(미샤), 페라리, 한성자동차, 쌍용ALC, 대한적십자, 우리자산관리 외 다수 병원, 기업, 국내외 개인컬렉터 작품 소장.
공공조형
평택 공공조형물 (Virgin heart)
용인 공공조형물 (Virgin heart)
[평론글]
욕망과 희망 사이의 변주
화려하다, 밝다, 예쁘다, 눈이 부시다, 반짝거린다.
김지희 작가의 작품을 마주했을 때 느껴지는 첫 번째 인상이다. 하지만 화려하게 치장된 배경과는 다소 상반된, 작품 속 인물이 착용한 커다란 선글라스 앞에서 시선이 차단된다. 가려진 눈을 볼 수 없는 탓일까. 첫 번째 인상과 달리 알 수 없는 불편함이 밀려온다. 계속해서 작품을 들여다보면 화려함의 상징인 각종 보석들과 장신구 사이에서 그와 상반되는 도상들이 발견된다. 이를테면 전쟁의 이미지 같은 인간의 또 다른 욕망을 상징하는 각종 이미지들이 한 작품에 등장하며 표면적인 작품의 인상과는 다른 이야기를 전달한다. 화려함 뒤에 숨겨진 불안함이라는 이중적 태도는 김지희 작가의 작품 속에서 늘 한 쌍으로 나타난다.
2008년부터 지속해온 김지희 작가의 〈Sealed Smile〉 시리즈는 자신의 속내를 쉽게 보여주지 않겠다는 듯 커다란 선글라스 뒤에 숨은 인물들의 초상이라 할 수 있다. 욕망을 상징하는 각종 화려한 도상들 속에서 자신을 감추고 있는 작품 속 인물은 늘 미소를 띠고 있다. 그러나 마냥 행복해 보이지만은 않는다. 때때로 미소와 동시에 눈물을 흘리고 있는 등 왠지 모를 불편함을 야기하는 대상의 모습은 슬픈 화려함이라는 이중적 태도를 보이며 궁금증을 자아낸다.
‘인간은 타인의 욕망을 욕망한다’는 자크 라캉(Jacques Lacan, 1901-1981)의 욕망이론처럼 김지희 작가의 작품 속 인물은 자신의 본질, 즉 눈을 가린 채 타인과 동일해지기 위한 수단으로 같은 것을 욕망한다. 화려하게 치장된 커다란 선글라스는 가려진 눈 너머 나를 보는 타인의 욕망과 동일시된다. 따라서 관객은 그 반대 지점에서 대상의 진실된 욕망의 근본에 도달하기 쉽지 않다.
김지희 작가의 〈Sealed Smile〉은 이처럼 타인과 나 사이의 욕망이라는 동일한 주제를 갖고 있지만 몇 차례 표현 방식에 있어 변화를 보여준다. 초기 작품 속 인물의 소박하고 단순한 형태는 더욱 화려하게 변모되었고, 작품 속 대상들이 착용한 선글라스 또한 인물의 본질을 감추는 것에서 확장되어 그 자체로 눈이 되었다. 세상을 보는 창이 되는 눈으로서 선글라스는 외적으로 더욱 세밀하고 화려해졌지만 그와 동시에 어두운 뒤편 너머의 진실 또한 철저히 가려진 채 이중적 경계의 틀을 더욱 견고히 한다.
김지희 작가는 도상의 상징성을 적극적으로 화면에 활용하는 작가이다. 아주 사소한 소비에의 욕망을 비롯해 역사적 측면에서 인류 전체를 향한 욕망이라 할 수 있는 전쟁이미지까지 다양한 상징들을 활용하며 작품 속에 펼쳐낸다. 상징적인 각각의 이미지를 찾아내고 해석하는 것은 작품에 내재된 또 다른 즐거움이다. 이와 같은 적극적인 도상의 활용은 미술사를 부전공한 작가의 이력을 새삼 주목하게 한다. 미술사에서 도상해석학은 도상의 상징적 내용과 표현 형식의 관계 해석을 통해 작품을 종합적으로 이해하는 방법론이다. 작품에 나타난 도상들을 바탕으로 해당 시대의 보편적 특성들을 찾아내는데, 김지희 작가의 작품은 현대 사회의 보편적 욕망을 도상을 통해 드러낸다고 할 수 있을 것이다.
최근 작가는 작품 주변부에서부터 조금씩 표현해왔던 동물 도상을 2020년 신작에서는 아예 작품의 전면에 등장시켰다. 호랑이와 부엉이가 바로 그것인데, 이 동물들의 상징은 길함이다. 특히 캔버스 120호 크기의 대형 작품 속 주인공으로 등장한 백호는 지금까지 눈을 가리고 있었던 인물들과 달리 형형한 눈빛으로 마주한 사람을 응시하며 희망을 부추긴다.
도시 사회의 욕망 혹은 소유의 욕망을 담고 있는 화려한 이미지에 등장한 소원성취용 부적 같은 동물 도상은 무엇을 의미하는가. 희망 혹은 운을 상징하는 도상들은 무엇인가에 대한 바람, 즉 욕망을 의미한다. 욕망은 일종의 결핍에서 비롯된 것으로 채워지지 않은 그 무엇에 대한 갈망이다. 또한 결코 충족될 수 없는 그 무엇이다. 반면 희망은 누구나 가져야 할 목표 같은 긍정적 대상이며 가능성을 의미한다. 그러나 누군가의 희망과 욕망이 절대적 차이를 가진다고 확언할 수 있을까. 욕망과 희망 사이에는 과연 무엇이 존재하며, 그 경계는 무엇으로 구분할 수 있을까.
욕망과 희망은 무엇인가를 바란다는 점에서 동일한 선상에 놓여있다. 우리 모두에게는 욕망이 있고 희망이 있다. 그리고 그것은 때로 삶을 살아가는 원동력이 된다. 간절한 기도와 희망을 담은 종교화(畵)처럼 욕망을 상징하는 각종 도상들을 품은 작품은 그 자체로 희망을 기원하는 현대식 ‘이콘(icon)’으로 자리 잡은 듯하다. 백호와 흰 부엉이 도상 사이에 기존의 표현 방식에 따른 인물 도상까지, 개별적이면서도 동시에 삼면화로 연결되어 활용되는 캔버스의 형식적 특징도 이와 같은 맥락일 것이다. 작품 속에 등장하는 상서로운 동물과 기도하는 손 등의 이미지는 욕망과 희망 사이에서 인간의 존재와 삶을 추동하는 목적에 대해 다시 한 번 질문하게 한다. 김지희 작가가 한 겹 한 겹 쌓아올린 안료처럼 욕망과 희망 사이에 켜켜이 쌓인 시간들은 작가 자신의 희망과 가능성을 증명하는 과정일 것이다. 그리고 우리는 이 과정을 지켜볼 필요가 있다.
국립현대미술관 학예연구사 김유진
[김지희 작품이미지]
<김지희_Sealed smile, 100x100cm, Color on Korean paper, 2021>
<김지희_Sealed smile, 130x163cm, Color on Korean paper, 2021>
나안나
학력
2013 홍익대학교 대학원 회화과 졸업
2008 홍익대학교 회화과 졸업
개인전
2021 이미지역행, 정수아트센터, 서울
2020 알 수 없는 이야기, 갤러리 가이아, 서울
2012 눈, 손, 그림, 갤러리 가이아, 서울
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 복도아트페어, 장흥가나아뜰리에, 경기
씩스틴, 김현주 갤러리, 서울
Group 23.5˚, 갤러리 가이아, 서울
2019 상상展, 갤러리 자작나무, 서울
2018 풍경展, 갤러리 자작나무, 서울
2017 화가의 자화상, 갤러리두인, 서울
2016 예술이란?, 갤러리반디트라소, 서울
Group 23.5˚, 두루아트스페이스, 서울
청춘아티스트 3인전, 고양시청갤러리600, 경기
2015 사유하는 손, 갤러리 정, 서울
Group 23.5˚ 5th Exhibition, 청화랑, 서울
Group 23.5˚ 4th Exhibition, 가나아트스페이스, 서울
Group 23.5˚ 3rd Exhibition, 갤러리 이마주, 서울
[작가노트]
작업의 시작은 무의식 속에 떠다니는 이미지 조각을 잡아내는 것이다.
경험과 생각, 상상 속에서 잡아올린 이미지들의 결합은 미처 인지하지 못했던 곳까지 드러내곤 한다.
스쳐 지나가는 순간, 시간이 지나고 사라질 것들.
그림은 그것들을 붙잡아 하나의 존재로서 기록하는 과정이다.
이들이 모여 하나의 풍경이자 작은 세계를 이루고, 이야기들을 만들어낸다.
[평론글]
물고기 머리가 있다. 물고기가 아니라 물고기를 닮은 무엇일 뿐이다. 누군가 물고기를 닮은 무엇을 보고 물고기라 하면 물고기가 되고, 사람이 되고, 외계의 알 수 없는, 혹은 미지의 그 무엇이 된다.
기억하고 있는 과거의 이미지는 과거의 경험 조각이다. 나안나는 기억에 잔존해 있는 과거의 이미지를 해체시킨다. 해체라기보다는 과거로의 역행(逆行)이라는 말이 더 어울린다. 현재에서 과거로 가는 것은 과거로 가는 것이 아니라 현재에서 바라보는 미래라는 의미를 되살려낸다. 과거로의 기억 여행은 시간의 흐름에서 미래형이 된다. 그래서 무엇이든 현재의 것으로 존재하게 만드는 것이 그녀의 이미지가 된다.
우리시대의 초상화가 있다. 물고기를 닮은 이미지는 무엇으로든 변신이 가능하다. 모자를 쓰고 숲속에 있다. 이미 선명하게 드러나 있기 때문에 숨은 그림 찾기가 아니다. 그러나 우리는 그것을 찾아내지 않아야 한다. 찾지 못하는 것이 아니라 숲속에서 숲과 함께 호흡하는 숲의 일부로 이해하여야 한다. 그래서 특정한 이미지가 아니라 우리시대의 초상은 숲과 숲의 그림자까지 모두가 초상화로 이해하여야 한다.
무늬(잘린 머리들)은 초상화로 분하기 이전의 작품이다. 나안나는 잘린 머리라는 제목을 붙이면서도 그것을 생명체의 부분으로 이해하지 말고 그저 막연한 무늬로 받아들이길 강요한다. 세상의 모든 이야기와 함께하는 이미지는 무엇을 특정하는 그것으로 이해되고 있는 것을 거부하는 예술가적 항변이다.
무작정 지나치는 낯선 이미지와 환상처럼 스치는 무의식의 공간에서 발생하는 이미지를 그림으로 옮겨낸다. 때로는 작품 ‘무늬(해녀)’와 같이 낯선 이미지와 과거에서 오는 경험이 교차하기도 한다. 우리는 그것을 바라 볼 뿐이다.
박정수(정수아트센터 관장)
[나안나 작품이미지]
<나안나_초상화, 72.7x50cm, Acrylic on canvas, 2021>
<나안나_초상화, 53x40.9cm, Acrylic on canvas, 2020>
박소라
학력
세종대학교 회화과 졸업
개인전
2020 Sora's Versions, 갤러리 가이아, 서울
2019 The Versions, 래미안 갤러리, 서울
2018 What are you looking at?, 갤러리 가이아, 서울
2014 Space, 아다마스253, 파주
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 사용자들, 예술시장 다다 (은평문화재단), 카페쥴레, 서울
SIXTEEN, 갤러리 김현주, 서울
Group 23.5도, 갤러리 가이아, 서울
슈퍼컬렉션, 슈페리어갤러리, 서울
ASYAAF After, 조선일보 미술관, 서울
2019 상상 展, 갤러리 자작나무, 서울
2018 풍경 展, 갤러리 자작나무, 서울
2014 꿈과 마주치다 展, 갤러리 일호, 서울
Young Artist 展, 갤러리 이레, 파주
스카우트 展, 이마주 갤러리, 서울
2013 전야, 세종아트센터, 서울
[박소라 작품이미지]
<박소라_One of The Versions_나의 밤은 당신의 낮보다 아름답다, 50x72.7cm, Acrylic on Canvas, 2021>
<박소라_One of The Versions_물체주머니, 50x72.7cm, Acrylic on Canvas, 2021>
변연미
학력
1988 추계예술학교 서양학과 졸업
개인전
2020 갤러리 제이콥1212 서울
2019 팔리사드 듀 샹티에 바뇨, 프랑스
2018 샤또 라두셋트 드렁시, 프랑스
2015 갤러리 백송 서울
2014 대전 프랑스 문화원 대전
2013 갤러리 당 리브르 로트르 파리, 프랑스
2012 갤러리 타블로 마르세이유, 프랑스
김학수 기념박물관 인제대학교 김해
2011 갤러리 세줄 서울
2009 갤러리 크리스틴 박 파리, 프랑스
2008 갤러리 세줄, 서울
2007 갤러리 크리스틴 박 파리, 프랑스
2006 갤러리 쿤스트독 서울
2005 갤러리 세줄 서울
2002 갤러리 아트 스페이스 퀼티렐 르 끌렉 비트리 쉬 센, 프랑스
2001 갤러리 오를리 오를리공항, 프랑스
2000 갤러리 프리에레 드 퐁-루 모레 쉬 루앙, 프랑스
1999 갤러리 크루쓰 보자르 파리, 프랑스
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2019 뜻밖의 초록을 만나다, 수원시립미술관, 아트스페이스 광교, 수원
2018 숲으로 들어가다, 아트스페이스 펄, 대구
2017 안 도시 뜰, ICAPU17 울산국제아트 프로젝트, 울산
2016 One, Two, three and….7,. La Passerelle, 루앙대학, 프랑스
Biennale d’art actuel grand format, La P’tite crié, 프랑스
2015 Out of Home, Plan.d, 독일
울산아트프로젝트, 울산
2013 Hivernal, 몽트러이, 프랑스
M-art, 관훈갤러리, 서울
2012 절차탁마 물성의 틈을 넘다, 인터알리아 아트컴퍼니, 서울
메이크샾 톱10, 메이크샾 아트스페이스, 파주
비밀의 숲, 국립현대미술관, 과천
나는 그들의 것이 아름답다, 갤러리 다, 광주
2011 What do you think about nature, 갤러리 89, 프랑스
2010 여수국제아트페스티발, 여수
2009 Passage 2009, 유니버살 큐브, 독일
2008 교류A 전, 오스트리아
2007 Femme y es-tu?, 오랑쥬리 드 세나, 프랑스
2006 작가 4인전, 갤러리 죠엘 포세매, 프랑스
국제예술가의 만남, 오피탈 쌀페트리에 쌩-루이, 프랑스
2003 재불한국화가 100년사전, 프랑스 가나보부르, 프랑스
2002 아침의 문, 앙리두낭 병원, 프랑스
빠리 뉴욕 워싱턴거주 여류작가전, 워싱턴 한국문화원, 미국
2001 모나코국제현대미술제, 몬테카를로, 모나코
살롱 몽후즈전, 몽후즈, 프랑스
2000 청년작가초대전, 갤러리스위스, 프랑스
살롱2000 SNBA 초대전, 카루젤 루브루, 파리
재불청년작가정기전, 한국문화원, 파리
한국젊은작가전, 그랑 떼아트르, 앙제 프랑스
[작가노트]
나는 우리가 사는 이 시대의 자연, 숲을 그린다.
우리 주변에서 볼 수 있는 너무나 평범한 숲이고 언제나 만날 수 있는 우리들의 숲을 그린다.
그 숲엔 생명이 가득하다. 수 많은 생명체가 자연의 섭리 아래 생동하며 조화를 이룬다.
내가 집중하는 숲의 전경은 나무가지들이 서로 교차하면서 우연히 만들어내는 그야말로 자연선이요, 자연공간들이다. 인위적으로는 흉내 낼 수 없는 접점들과 여백의 공간들을 왜곡 없이 그대로 캔버스에 옮긴다.
원시적인 숲의 생명을 온전히 받아들이기 위해 근원에 이르려는 녹음으로 망점이 촉촉하게 젖도록 의도한다.
숲의 깊이와 공간을 표현하기 위해 자연에서 온 재료인 커피가루를 부분적으로 안착시키고 그 위에 아크릴 물감으로 작업 한다.
나에게 숲은, 높은 밀도의 녹색 덩어리로 무한대의 깊이와 크기를 가진 ‘추상(抽象)적 영역’이다. 작가인 나와 작품의 소재와 구도는 하나로 합쳐진 물적 장소성을 가지며, 정신과 테크닉이 합일하는 시간과 세계를 추구한다.
[변연미 작품이미지]
<변연미_다시 숲, 72.2x60.6cm, Acrylic, coffee ground on canvas, 2021>
<변연미_다시 숲, 72.7x60.6cm, Acrylic, coffee ground on canvas, 2021>
심봉민
학력
2010 홍익대학교 동양화과 졸업
개인전
2020 노스텔직 가든, 필 갤러리, 서울
2018 평범한 기억의 정원, 갤러리 자작나무, 서울
닮은 정원, 아침고요 수목원 갤러리, 경기
2012 심봉민展:: Painting, 갤러리 아우라 플랫, 서울
심봉민 개인전, 갤러리 두루, 서울
2011 기억과 시간이 던져진 공간, 갤러리 가이아, 서울
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 씩스틴전, 김현주 갤러리, 서울
2019 Douz전, 이정아 갤러리, 서울
상상전, 갤러리 자작나무, 서울
2018 풍경전, 갤러리 자작나무, 서울
2017 It’s roots, 갤러리 마크, 서울
2016 내면의 풍경-9인의 작가 9인의 벽, 두인 갤러리, 서울
2015 Group 23.5, 가나아트스페이스, 서울
2014 아파트 인생전, 서울역사박물관, 서울
2013 원화전-롯데갤러리, 서울옥션 프린트베이커리, 서울
남송국제아트쇼, 성남아트센터, 경기
화성작가 금성현대인을 만나다, 갤러리 반디트라소, 서울
7번방의 선물, 서울미술관, 서울
6+1=예술본색, 두인 갤러리, 서울
2012 Young artist exhibition, 갤러리 이레, 경기
괄호전, 홍익대학교 현대미술관, 서울
아시아프, 서울역, 서울
컨템포러리 아트스타 페스티발, 한가람 미술관, 서울
서울옥션 Small Masterpiece전, 롯데갤러리(광복), 부산
[작가노트]
나는 그림 속에서 숨바꼭질을 하고 있는 어린아이(정원사)가 되어버린다.
마치 꿈속에 나비가 되어버린 장자처럼 캔버스에서 난 어린이가 되어 꿈을 꾸는 듯한 시절 속으로 빨려 들어간다.
나의 기억과 시간을 양분으로 성장한 나무와 풀들은 나에게 놀이터를 제공한다.
그곳에서 나는 끝이 나지 않는 유치한 놀이들을 즐긴다.
늘 만나는 일상이지만 문득 그리운 느낌이나 그 순간의 장면과 일들을 기억하도록 노력한다.
그 순간들을 기억하는 것에서부터 내 작품은 시작된다. 캔버스에 내가 좋아하는 목탄 가루를 아크릴과 희석해 바른다.
오돌토돌한 화면이 어릴 적 놀던 운동장 모래를 떠올리게 한다.
목탄을 긁어내면서 생기는 스크래치 자국이 더 오랜 시간 속으로 빨려 드는 것 같아 즐겁다.
문득 그리운 시간을 캔버스에 기록하면 끝나지 않는 놀이를 하는 것 같다.
[심봉민 작품이미지]
<심봉민_멈추지 않는 다롱이, 60.6x72.7cm, Acrylic on canvas, 2021>
<심봉민_멈추지 않는 다롱이2, 60.6x72.7cm, Acrylic on canvas, 2021>
유선태
학력
1989 프랑스 파리 국립 8대학 조형예술학과 박사과정 졸업.
1984 프랑스 파리국립미술대학 수학.
1981 홍익대학원 졸업.
1979 홍익대학교 미술대학 졸업.
개인전
2013 청갤러리, 서울
가나아트 갤러리, 부산,
문갤러리, 서울
일호 갤러리/서울
2012 데미화랑, 광주
2011 Sun Jin Gallery, 싱가포르
가나아트갤러리, 서울,부산
2010 가나아트갤러리, 뉴욕
2009 정 갤러리, 서울
필립강 갤러리, 서울
2008 Galllery Lavignes-Bastille, 파리.
두루아트 스페이스, 서울
도시 갤러리, 부산.
갤러리 반디, 서울.
갤러리 미루, 가나아트센터, 서울.
2007 카이노스 갤러리, 서울.
두루 아트 스페이스, 서울.
Gallery Joanna Kunstmann, 스페인.
Gallery Bellarte, 서울.
Gallery H, 서울
Gallery Ellens’ Park, 서울
2006 Gallery Lavignes-Bastille, 파리
Gallery Ellen Kim Murphy, 양평
카이스트 갤러리, 서울
Duru art space, 서울
소망교회 전시관, 분당
2005 카이스트 경영대학 갤러리, 서울
2004 두루 아트 스페이스, 서울
2003 나인 갤러리, 광주
2002 수가화랑, 부산
가나화랑, 서울
2001 가나화랑, 서울
1999 Gallery Gana Beaubourg, 파리
Gallery Lavignes Bastille, 파리
1997 유나화랑, 서울
1996 Gallery Lavignes-Bastille, 파리
가나화랑, 서울
송원 갤러리, 광주
1994 Gallery Lavignes-Bastille, 파리
가나화랑, 서울
1992 Gallery Lavignes-bastille, 파리
Gallery Vera Van Laer, 벨기에
La Villa Blanche, 파리
1991 Gallery K, 파리
Gallery Lavignes-Bastille, 파리
예술의 전당 미술관, 서울
1990 웅 갤러리, 서울
Gallery Lavignes-Bastille, 파리
1989 Gallery Lavignes-Bastille, 파리
리카르 조형예술센터, 파리
1988 Gallery Lavignes-Bastille, 파리
1981 그로리치화랑, 서울
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2013 호텔 아트페어, 콘래드호텔, 서울
KIAF, Coex, 서울
Huston Art Fair, Huston, 미국
호텔 아트페어, 홍콩
SunJin Gallery, 싱가포르
가나화랑 개관 30주년 기념전, 서울
Toronto Art Fair, 토론토
두인갤러리, 서울
화성인 금성인을 만나다, 갤러리 반디 트라소, 서울
서울오픈 아트페어, 서울
Hotel art fair, 홍콩
그룹전, 반디 갤러리, 서울
Original & original, 롯데 갤러리, 영등포점(서울), 광복점(부산)
2012 Asia Top gallery Art fair, 홍콩
Art Fair Miami Scope, 마이애미
호림 아트홀, Print bakery, 서울
Sinapore Art Fair, 싱가포르
그룹전, 문갤러리, 서울
Healing, 가나아트센터(서울), 장흥아트파크(장흥)
화가의 의자전, 인사아트센터, 서울
극적인 Sequence, 인터 알리아, 서울
현대백화점, 갤러리 토파즈, 서울
Hotel Art Fair, 홍콩
New Caledonia Art fair, New Caledonia
Gallery ADAMAS 253 개관전, 헤이리, 파주
Asia Top Gallery Hotel Art Fair, 홍콩
롯데화랑, 문 갤러리, 서울
서울오픈아트페어, 서울
Spoon Art Fair, 홍콩
Los Angeles Art Fair, 미국
Art Fair, Art Revolution, 타이페이
화랑미술제, Coex, 서울
Art fair Scope New York, 뉴욕
작은 그림전, 장흥 아트파크, 장흥
2011 Art fair Scope Miami, 미국
Hotel Art Fair, 홍콩
Art Fair Scope New York, 뉴욕
2010 가을편지전, 가나아트센터, 서울
Hong Kong Art Fair, 홍콩
Art Fair Scope Miami, 미국
가나아틀리에 작가전, 가나아트센터, 서울
선화랑 개관전, 서울
갤러리 가이야, 서울
한영,유선태 2인전, 갤러리 반디, 서울
화랑미술제, COEX, 서울
서울오픈아트페어, COEX, 서울
KIAF, COEX, 서울
대구아트페어, 대구
호텔아트페어, 홍콩
Art Fair Scope New York, 뉴욕
2009 Art Fair Scope Basel, 바젤
P1 Gallery, 서울
Art Fair Scope Miami, 미국
호텔 아트페어, 일본
KIAF, COEX, 서울
갤러리 가이야, 서울
갤러리 반디, 서울
호텔 아트페어, 부산
서울오픈아트페어, 서울
Chocolat Box, 장흥조각공원 미술관, 장흥
화랑미술제, COEX, 서울
대구국제아트페어, 대구
2008 도쿄호텔아트페어, 일본
Gallery Topohaus, 서울
Gallery Univers, 파리
Art Fair Scope Miami, 미국
갤러리 반디, 서울
Art Fair Scope Miami, 미국
Private Collection, 가나아트센터, 서울
가나화랑 개관전, 가나아트센터, 서울
Gallery Some, 서울
서울 오픈 아트페어, 갤러리 Rhee C, 갤러리 반디, 서울
화랑미술제, 두루 아트 스페이스, 부산
그룹전, 반디 갤러리, 서울
비평가선정 55인 작가전, 조선일보주관, 예술의전당, 서울
2007 승관락 전(乘觀樂 展), Peugeot Space, 일산
Gallery Univers, 파리
Fruit전, 인사아트센터, 서울
옥션쇼, 서울옥션, COEX, 서울
미디어아트&즐거운상상전, 현대백화점 무역센터, 서울
Gallery Bonington, 버밍햄, 영국
Contemporary Art, 서울옥션, 서울
Chigo Art Fair, Duru Art Space, 미국
2006 Zurich Art Fair, 스위스
Art Fair KIAF, 두루 아트 스페이스, 서울
2005 Chicago Art Fair, Duru art space, 시카고
2004 가나 아틀리에 작가 8인전, 가나화랑, 서울
2003 Objet & Reflection, 두루 아트 스페이스, 서울
Auction Fair, 서울옥션, 서울
가나 아틀리에 작가 8인전, 가나화랑, 서울
2002 Objet&objet, 두루 아트 스페이스, 서울
2001 2인전, 유나화랑, 서울
2000 덕산 미술관, 일본
1999 Art Fair FIAC, 가나화랑, 프랑스
hopital Debre, 파리
2인전, gallery White Elephane, 파리
1996 평화전, 박영덕화랑, 서울
유나화랑, 서울
1995 Strasbourg Art Fair, 스트라스부르그
3인전, Gallery Francoise Paluelle, 프랑스
3인전, Gallery Lavignes-bastille, 프랑스
Strabourg Art Fair, 스트라스부르그
1994 창,의자,계단, 김환기 미술관, 서울
1993 Art Fair LINEART, Gallery Vera van Laer, 벨기에
Absolument Vodka Collection 순회전, 파리,뉴욕,런던,스웨덴
1992 비평가 Philippe Carteron 선정 8인전, Gallery Gerlard Piltz, 파리
Art Fair, LINEART, Gallery Vera Van Laer, 벨기에
Art Fair, ARCO, Gallery Vera Van Laer, 마드리드
Art Fair, Au Touquet, Gallery Lavignes-Bastille, 프랑스
1991 80년대전, Fondation Deutsch 미술관, 로잔느
Art Fair, Decouverte, Gallery Lavignes-Bastille, 프랑스
Art Fair, LINEART, Gallery Vera Van Laer, 벨기에
Salon de Montrouge, 몽루즈 조형미술관
1990 문예진흥원 순회전, 서울, 파리, 뉴욕, 도쿄 문화원
1989 한국 젊은 작가전, 한국문화원, 파리
1988 Salon de Mai, Grand Palais, 파리
1987 Bastille 갤러리 축제( Printemps de Bastille ), 갤러리 라빈느, 프랑스
Salon de Montrouge, 프랑스
Salon de Mai, 프랑스
외 20여회 국내 전시회 참여
[작가노트]
그림 그리는 일?
나는 길 위에 있다. 삶은 유목민(nomade)의 그 것처럼 항상 방랑의 도상(途上)에 서 있는 것. 내가 유일하게 길 위에 앉아서 정착하는 시간들은 그림을 그리는 시간 들 뿐이다. 나는 멈춘다는 의미를 잘 알지 못한다. 내가 정지하고 있었던 순간에도 시간은 멈추지 않았다. 매순간 정착하는 일이란 나에겐 멈춤이 아니라 냇물의 여울과도 같은 시간이고 도시의 숲에서 맑은 하늘 위에 이상한 한조각의 구름을 그리고 잿빛 콘크리트의 좁디좁은 틈바구니 속에서도 뿌리를 내리고 사는 이름 없는 풀 한포기를 경이롭게 발견하는 시간과도 같다. 그림 그리는 일은 드물게 그리고 때로는 일상의 나를 발견하는 시간이고 충동적이고 일상적이지 않고 싶은 나에게 다가가는 시간이다. 가끔은 사람들이 길을 잃었다는 말을 듣는다. 정확한 표현일까? 길 위에서 길을 잃다니? 무엇이 길일까? 내가 가면 그것이 길이 아닐까? 사람들은 어떤 길을 찾고 있는 것일까? 길 위에서 이미 가야할 길이 보이는 것처럼 재미없는 일도 없으리라. 옛 이야기 따라가는 길이 아니라 자신이 이야기를 만들어 갈수 있는 길이 더 흥미롭지 않을까? 사랑의 기억이든 상처의 흔적이든 나는 다른 사람과 한 치도 같지 않는 길을 걸어오지 않았던가?
사과에 대한 명상으로 시작된 사과에 대한 개념은 나에겐 이성과 감성이라는 두 가지 문제의 접점으로서의 상징을 의미한다. 사과는 단순한 오브제로서의 대상이 아닌 금기와 불복종의 논리로서의 종교적인 면과 과학적인 깨달음의 순간 그리고 삶과 죽음과의 선택 등의 다양한 의미를 지닌다. 사과 한 알에서 보여 지는 다양한 색채처럼 사과는 다중적인 성격을 지녔다. 사과의 그러한 성격은 일면 예술의 정형적이면서도 비정형적이며 논리적이면서도 비논리적인 성향과 유사하다. 모든 것에는 보여 지는 한 면만이 존재하지 않는다. 음영처럼 대상이 존재하는 순간 생각이 존재하는 순간부터 모든 것은 다면적 입체적인 시각과 구조를 지닌다.
화분이라는 대상은 단순히 꽃이나 나무를 담기 위한 그릇이 아니다. 그것은 삶과 죽음의 현장에 있다. 화분은 그 현장에서 그들과 호흡을 하고 있다. 무수한 생명들의 흔적과 역사를 담고 있다.
[유선태 작품이미지]
<유선태_신기루, 72.7x60.6cm, Acrylic on canvas, 2021>
<유선태_나의 아뜰리에, 60.6x72.7cm, Acrylic on canvas, 2021>
윤병운
개인전
2020 Holly Silence, 반얀트리 갤러리, 서울
Greetings, 한새갤러리, 부산
2017 다섯 개의 창, 갤러리 조선, 서울
2016 비망록, 소피스갤러리, 서울
2015 백야, 2448문파인아츠, 서울
2014 텅빈기표, 갤러리 압생트, 서울
2012 레테의 숲, 애술린 갤러리, 서울
2010 Soundless, 문파인아츠, 서울
2008 자각몽, 갤러리터치아트, 헤이리
2006 가상의 일기, 갤러리아트싸이드, 서울
2005 Situational-Logic, 첼튼햄아트센터, 미국
2003 상황논리, 한전플라자갤러리, 서울
단체전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 기쁜성탄, 요갤러리, 서울
기억을 담으며, 수애뇨339, 서울
황금삼각지대, 살롱 아터테인, 서울
식스틴, 김현주갤러리, 서울
2019 끈질기게, 끈질긴, d/p, 서울
Si, 필갤러리, 서울
사람과 도시 그리고 사이, Biki갤러리, 서울
그해, 겨울이야기, 강릉아트센터, 강릉
2018 난지 넌지, 난해한 지도, 난지아트홀, 서울
기억의 방식, 희수갤러리, 서울
Secret Salon, 원갤러리, 서울
2017 서울아트쇼 -현대미술의 블루칩 특별전, COEX, 서울
싱가포르 어포더블 아트페어, F1피트빌딩, 싱가포르
나래를 펴다, 인영갤러리, 서울
풍경을 빌려오다, 강릉시립미술관, 강원
회화에서 회화로, 시안미술관, 영천
숲이 길이 되다, SNU 바리타스홀, 서울
동행- 고 이천득 추모전, HOMA, 서울
새로운 형상- 실재와 환영, 석당미술관, 부산
2016 비밀의 화원, 서울미술관, 서울
아트경기 Start Up, 경기창조경제혁신센터, 판교테크노벨리
2015 청년작가100 5주년 특별전, National Agriculture Center, 중국
리얼리즘 인터페이스, 석당미술관, 부산
회화, 세상을 향한 모든 창들, BMOCA, 파주
2013 Winter Masterpieces 특별한 선물전, 선화랑, 서울
Korea Tomorrow 'Image Installation', 예술의전당, 서울
Art Nova 100, 798 Art Factory, 북경, 상해, 마카오
2012 From Cover to Cover, 박여숙 갤러리, 서울
전망 좋은 방, 금산갤러리, 파주
2011 Summer Show, Hada Contemporary, 영국
2010 인사동을 스치는 시선, 공아트스페이스, 서울
Finding Beauty of Love n Peace, 아부다비 국립미술관, 아랍에미리트
이미지의 복화술, 인터알리아, 서울
2009 원더풀 픽쳐스, 일민미술관, 서울
소통과 모색 그 방향성, 전북도립미술관
한국현대미술의 흐름II-극사실회화전, 김해문화의전당, 경남
또 하나의 일상-한국미술평론가협회기획, 성남아트센터, 경기
망막의 진실, 인터알리아, 서울
여의도-뜻대로 되는 그림, 한국산업은행 본점. 서울
The Books, 박여숙화랑, 서울
UAEKAF, 두바이 월드트레이드센터/ 아부다비 국립미술관, 아랍에미리트
2008 유어랑 -하늘에서 노닐다, 63스카이아트뮤지엄, 서울
Korean Young Painters, 두산갤러리, 노암갤러리, 서울
2007 ACAF, Pier 92, 미국
아트옥션쇼, COEX, 서울
제2의 몽상, 아트싸이드, 서울
Speed up H-art, 현대자동차지점 순회
2006 크리스티 경매 Asian Contemporary Art, 홍콩컨벤션센터, 홍콩
ART SHANGHAI, 상해세무상성사루, 중국
4th Cutting Edge, 서울옥션하우스, 서울
현대미술한일전, 긴자오노화랑 일본
2004 Red Heaven, 창동스튜디오, 서울
레지던시
2018 난지미술창작스튜디오, 서울시립미술관, 서울
수상
동아미술대전, 경향 PAG, 인사미술제, 단원미술대전, 송은미술대전 등
작품소장
국립현대미술관(미술은행), 주DR콩고 한국대사관, 하나은행, 한국산업은행, 93미술관 외
[윤병운 작품이미지]
<윤병운_Y20PA21S Picture, 72.7x60.6cm, Oil on canvas, 2020>
<윤병운_Y20PA24S Silence, 60.6x72.7cm, Oil on canvas, 2020>
이상원
학력
홍익대학교 회화과 및 동대학원 석, 박사 졸업
개인전
2021 PeopleS, 와우갤러리, 서울
2020 Multitude, 도잉아트, 서울
2019 In Patterns, 영은미술관, 광주
2019 The Panoramic, 도로시 살롱, 서울
2018 All Over, 갤러리30, 서울
2017 The Colors of the Crowd, 성곡미술관, 서울
2016 Mono Gaze, 쌀롱 아터테인, 서울
2015 길잃은 시민, 우손갤러리, 대구
2014 The Multiple, 영은미술관, 광주
2012 Space Color Movement, 선컨템포러리, 서울
2011 Leisure and Crowd, 스페이스캔, 서울
2010 Eye of Beholder, 두산갤러리, 서울
2009 Patterns of Life, 크라이스트처치아트센터, 뉴질랜드
2007 the Resting Place, 금호미술관, 서울
그룹전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
여전히, 우리는, 어울아트센터, 대구
2020 호연환생전, 대덕문화원, 대전
봄바람-휘휘호호, 신세계갤러리, 대구
2019 신여름관광, 강릉아트센터, 강릉
색, 빛과 어둠의 이중주, 인영갤러리, 서울
경계의 감각, 예술공간 이아, 제주
2018 올림픽 조각 프로젝트-Post 88, 소마미술관, 서울
서울포커스-행동을 위한 디자인, 서울시립 북서울미술관, 서울
강원, The Story, 강릉아트센터, 강릉
유유산수-서울을 노닐다, 세종미술관, 서울
2017 색채의 재발견, 뮤지엄 산, 원주
2016 SeMA Storage Show Case, 서울시립미술관 미술창고, 서울
2015 나는 불꽃이다, 서울, 63아트미술관, 서울
위대한 일상, 스페이스K, 대구
2014 사회적 풍경, LIG 아트센터, 서울
Water-천진난만, 소마미술관, 서울
사람.사람들, GS칼텍스 예울마루, 여수
네오산수, 대구미술관, 대구
Generation, 홍익대학교 현대미술관, 서울
2013 에덴을 벗어난 나비, 펠리니갤러리, 베를린, 독일
구.체.경 힐링그라운드, 소마미술관, 서울
2012 Distances, 텐진야마컬쳐프라자, 오카야마, 일본
공간 그리고 풍경, 63스카이아트미술관, 서울
2011 서울, 도시탐색, 서울시립미술관, 서울
from a Distance, Keep a Distance, 성곡미술관, 서울
2010 미술 속 삶의 풍경, 포항시립미술관, 포항
신진기예-up and comers, 토탈미술관, 서울
Distances, 관두미술관, 타이페이, 타이완
2009 버라이어티, 국립현대미술관, 과천
Look & Pick - Hello Urban Kids!, 헬로우뮤지움, 서울
Paradis Artificiel-난지도 프로젝트, 난지갤러리, 서울
2008 이미지연대기, 아르코미술관, 서울
스크리닝
2021 다중의 추억-그림이 된 우리의 일상, 세종문화회관, 서울
2014 AYAF페스티벌, 대학로예술극장 대극장, 서울
2013 Mont-martre Contemporain, 씨떼데자르, 파리, 프랑스
2012 오카야마아트페스티벌, 오카야마, 일본
광주미디어페스티벌, 5.18민주광장, 광주
2011 피리그림, 국립국악원, 서울
2010 SBS 창사 20주년 기념 투모로우 페스티벌, SBS본사 건물 및 오목공원, 서울
옥상과 영상, 인사동 금좌빌딩 옥상, 서울
Patterns of Life, 플랫폼 플레이스, 서울
2009 Run-트윈셋 비디오, 크라이스트처치아트갤러리, 뉴질랜드
레지던스 및 수상
2018 영은창작스튜디오 입주, 영은미술관, 광주
2017 성곡 내일의 작가 선정, 성곡미술관, 서울
2015 코리안 아티스트 프로젝트 작가 선정, 한국사립미술관협회, 한국문화예술위원회
2013 영은창작스튜디오 입주, 영은미술관, 광주
2012 씨떼데자르 입주, 파리, 프랑스
2011 스카이아트 신진작가 선정, 63 스카이아트미술관
2011 SeMA 신진작가 선정, 서울시립미술관
2010 레드게이트스튜디오 입주, 레드게이트갤러리, 북경, 중국
2009 아르코 영아트 프론티어 선정, 한국문화예술위원회
2008 난지미술창작스튜디오 입주, 서울시립미술관, 서울
2008 한국-뉴질랜드 국제교환입주, 크라이스트처치아트센터, 뉴질랜드
2007 창동국립미술창작스튜디오 입주, 국립현대미술관, 서울
2007 금호영아티스트 선정, 금호미술관
작품소장
서울시립미술관, 경남도립미술관, 국립현대미술관 미술은행, 성곡미술관, 금호미술관, 영은미술관, 서울국제금융센터, 포스코, 한화리조트, 대명리조트, LG전자
[평론글]
Pattern of Life Style
19세기 러시아의 문예평론가인 체르니셰프스키(N.G.Chernyshevskii, 1828~1889)는 “생활을 재현해내는 것은 예술의 일반적인 특징이고 그의 본질이기도 하다.”라고 하였다. 일상과 주변을 반영한다는 것은 예술의 고유한 본질적 특징 중에 하나이며, 이러한 과정을 통해 그 사회와 문화를 담아내는 것이 예술의 역할이라는 것이다. 미술사에서는 쿠르베(Gustave Courbet)의 일상적 관점 이후, 20세기 미술을 통해 일상의 사물과 사건은 예술의 주요한 주제와 관점으로 인식되어 왔다. 오늘날 예술가들은 주변환경과 일상을 기록하려는 목적을 넘어 미시적으로는 개인의 정체성에 대하여, 거시적으로는 사회와 문화를 탐구하는 방법으로 주변 환경을 읽어내고 있다. 그러나 일상에 주목한다는 것이 단순히 우리의 일상을 얼마나 사실적으로 재현해 내느냐, 그것이 단지 우리의 일상과 얼마나 닮아있는가 하는 점에서만 의미를 지니는 것은 아닐 것이다. 이상원 작가는 자신의 작업을 통해 현대인의 일상의 본질적인 의미를 보여주고자 하며 단순히 미시적 시각에서 벗어나 사회 전체의 일상적 구조까지 확대하는 접근을 통해서라는 전제 하에서 다루고 있다. 특정한 일상의 모습을 가능하게 하는 시대적 성격으로서의 일상성에 주목했던 앙리 르페브르(Henri Lefebvre)의 일상성 논의를 바탕으로, 단지 일상의 표면들을 그리는 데서 끝나버리는 것이 아니라 보다 큰 사회전체의 성격을 조망해볼 수 있는 도구로서의 일상의 모습을 읽어 내려는 의도가 엿보인다.
이상원은 그의 회화 작업을 통해 오랫동안 일상 속에서 보여지는 현대인의 패턴을 관찰해 왔으며, 특히 여가생활에서 발견한 공통된 패턴에 주목하였다. 작업은 우선 공원이나 산, 수영장, 스키장과 같이 현대인들의 휴식과 레저 활동이 일어나는 공간에서 여가를 즐기는 사람들의 이미지를 수집하는 것으로 시작이 된다. 수집된 이미지는 부감적 시점이나 파노라마 시점으로 조합하여 거대한 공간을 포함한 대형회화로 제작이 되거나, 패턴화 된 개개인의 형태를 드로잉하여 애니메이션으로 편집되기도 한다.
사회학적으로 생활시간은 수면, 식사와 같은 생리적 ‘필수시간’과 사회적 존재로서 노동, 참여와 같은 사회적 ‘구속시간’, 그리고 이 두 필수적인 시간을 제외한 자유로운 시간으로 각자가 스스로 선택하고 활용할 수 있는 ‘선택시간’으로 나뉘고 있다. 여가, 즉 이 자유로운 선택시간이 어떻게 형성되고, 사용되는가에 따라 이 자유시간에 펼쳐지는 활동의 질은 각각의 개인적 취향을 넘어, 사회적∙문화적인 배경을 포함한 사회문제로서의 의미를 갖게 된다. 특히, 산업사회에서는 노동시간 감소와 레저시간 증대로 ‘여가’는 심리학이나 사회인류학적인 연구과제를 넘어, 정책적으로 그리고 경제학적으로 연구 분석의 대상이 되고 있다. 작가 이상원이 현대인의 ‘여가생활’에서 발견한 공통된 패턴은 이러한 정책적 배경으로부터 형성되었다고 볼 수 있다. 특히, 근∙현대 한국 사회에서의 여가활동은 정책적(강제적)으로 발전되었는데, 통행금지의 해제, 해외여행의 자유화, 프로스포츠의 대중화, 레저타운정책 그리고 2004년부터 시작된 주5일 근무제도는 현대인의 생활 방식을 단시간에 전환시키는 계기가 되었으며, 유사한 노동조건의 일반인들의 여가를 대중화, 대량화 그리고 획일화 시키는 역할을 하게 되었던 것이다.
이상원은 이러한 환경에서 ‘여가’의 개인화, 사유화와 같은 본질적 특성과 대중화, 획일화로 나타나는 가시적 현상 사이에서 포착되는 아이러니한 차이를 발견하고 현대인의 생활패턴(Pattern of Life Style)을 유희적으로 표현하기 시작하였다. 비슷한 차림으로 공원에서 조깅을 하거나, 유사한 모습으로 스키를 타는 수백만의 사람들은 이미 개별적 특성을 잃고 익명의 대중을 대표한다. 수많은 사람들의 반복된 행위는 개인의 취향이라기보다는 종합적인 움직임에 가까우며, 대중 혹은 무리의 요소로 보인다. 즉, 여가활동이라는 용어가 지니는 개념은 매우 주체적이고 사적인 행위임에도 불구하고, 대량의 패턴으로 표현되는 순간, 바로 객관적이고 공공적인 행위가 된다. 이것은 개인의 생산적인 행위임에도 불구하고, 사회 소비적인 면이 드러나게 된다는 것이다. 이상원이 선택하고 읽어내려는 것이 바로 이 지점인 것 같다. 때문에 그의 회화의 가장 두드러진 특징은 객관성이라고 할 수 있다. 인간 중심으로 일어나는 사건들을 감성과 관념을 배제한 채 관찰하고 있으며, 인물들은 표정이 제거된 익명의 ‘어떤 이’로 표현이 되어있다. 이상원의 회화는 대부분 내려다 보는 듯한 시점으로, 관찰자와 관찰대상이 다른 레벨에 위치해 있어 어느 정도의 거리를 유지하고 있다. 같은 화면에서도 각각의 인물은 복합적인 시점으로 구성이 되어 있는데, 이는 시클로프스키(Victor Shklovsky)의 ‘낯설게 하기’가 회화에 적용이 되어, 매우 친숙하고 익숙한 장면들을 지루하지 않고 약간은 특별하게 보이는 효과를 주고 있다. 즉, 매우 일상적이고 개인적인 사건과 행위들을 객관적으로 바라보면서 공공성을 강조하려는 약간의 의도가 숨어 있는 것이다.
최근 이상원은 작업의 확장을 위해 새로운 실험을 해나가고 있다. 회화작업을 근간으로 하지만 이러한 기본 평면으로 움직이는 화면을 연출하는데 몰두하고 있다. 예를 들어, 그의 작업 <Run Project>는 공원에서 조깅하는 사람들의 이미지를 수집하고, 각각 반복적으로 조깅하는 사람을 그려낸다. 그리고, 익명화된 수많은 사람들의 회화 이미지를 반복적으로 펼쳐내어, 마치 커다란 벽지(Wall paper)를 보든 듯한 패턴으로 표현한다. 이 회화 이미지들은 또한, 유사한 행위를 하는 다수의 이미지를 중복시켜 마치 한 사람이 조깅을 하는 하나의 영상이미지처럼 보이도록 편집한다. 다시 말해, 회화라는 평면중심에서 설치작품과 영상작품으로 확장되며, 또한 가능한 어떠한 장르와도 융합하여 그 영역을 확장할 수 있는 무한한 가능성을 열어두고 있다. 최근 국립국악원의 공연 <피리그림>에서 선보인 작품들은 회화영상이라는 새로운 시도로서, 음악과 미술, 그리고 공연예술이 조화롭게 구성된 복합예술로서의 가능성으로 보여주었다. 이상원이 시도하는 작업영역의 확장은 그가 주목하고 있는 일상의 소재와도 밀접한 관계를 가지고 있다. 일상에서 발견한 현대인의 생활 패턴들을 주변 환경에서 읽어 낼 수 있도록 유도하고 있는데, 이러한 시도는 그가 발견한 일상의 패턴을 미술관이나 갤러리와 같은 특정한 문화공간이 아니라, 도심의 거리, 공원, 스포츠매장과 같은 생활공간에서의 감상을 가능하게 하였다.
주변의 사소한 일상에서 현대인의 패턴을 읽어 내는 이상원의 특별한 관찰력은 일상적 행위의 나열, 그 이면에 존재하는 사회 구성원인 개인의 일상을 통해 드러나는 사회의 모습을 좀더 객관적으로 보려는 시도로 이해할 수 있다. 때문에 작가 이상원은 회화를 근간으로 타 영역과의 소통에 대한 시도와 실험을 끊임없이 추구함으로써 새로운 가능성을 열어가는 작가 중의 한 사람으로 평가 받고 있다.
김성희 (홍익대학교 미술대학원 교수)
[이상원 작품이미지]
<이상원_the Panoramic-20, 60.6x72.7cm, Oil on canvas, 2019>
<이상원_the Panoramic-07, 53x65cm, Oil on canvas, 2019>
이이정은
학력
2005년 서울대학교 서양화과 졸업
2009년 서울대학교 미술대학원 서양화과 졸업.
개인전
2019 풍경의 파편들, 룬트갤러리, 서울
거기, 더숲 갤러리, 서울
2017 움직이는 마음, KISS gallery, 서울
2014 Monument for someone, Label gallery, 서울
2013 느린풍경, gallery Dos, 서울
2010 Somebody else's monument, gana contemporary, 서울
2007 어떤 마트, grau gallery, 서울
그룹전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
Dscoveries, 헤럴드 아트데이, 수원
The shift part.2 잠재화, 갤러리 박영, 파주
마음의 생태학, 신세계 갤러리, 광주
2020 자연, 동해와 독도 展, 예술의 전당 디자인관, 서울
이음展, 그림손 갤러리, 서울
자연이 주는 생명展, 보라매 병원, 서울
아트경기&아트로드77, 논밭예술학교, 파주
온택트 아트경기2020, 경기상상캠퍼스 디자인1978, 수원
풍경의 이면, 필갤러리, 서울
여인천하, 폴스타아트 갤러리, 서울
비정형마이닝, art space KC, 성남
전망(展望):자연,바다,독도 그리고 화가의 눈, 이천시립월전미술관, 이천
레지던스
2012~2013 서울, 유중 창작스튜디오 2기
2011~2011 파리, 국제예술공동체 ( CITE INTERNATIONAL DES ARTS ) 가나아뜰리에 입주작가
2008~2012 양주, 장흥 아뜰리에 2, 3기
2008 부산, 가나 부산 아뜰리에 (노보텔)
수상
나혜석 여성미술대전 6회 특선
공모
2020 아트경기 2020 작가 / 경기문화재단
2020 2021 The shift 아티스트 / 박영 갤러리
작품소장
포스코 경영 연구소 포스리, 금양인터내셔날 , 테스코 연수원 , 우리자산관리, 유중아트센터, 주)세림,
가자주류 , 미술은행 등 개인소장 .
[작가노트]
수 년 전부터 회화를 통해 어떤 공간에서 움직이는 시간과 변화무쌍한? 존재의 상태를 화면에 넣고자 여러 시도들을 해왔던 것 같다. 분명히 존재하는데 시각화하기 어려운 것 들 그러나 분명히 느껴지는 것들 말이다. 내 그림 속에 그려진 대상이 본래 갖고 있는 존재로서의 기운(氣運)과 생기(生氣) 들이 그림 속에서도 살아 움직이고 결과적으로 내 그림이 살아있는 듯한 무엇이 되길 원하는 것도 같다. 회화로 어느 정도 가능할까?
이러한 시도는 내 주변 보다는 나 자신의 마음 그리고 도시공간보다는 자연 또는 내 주변의 자연에 관심을 두면서 나온 “회화에 대한 태도의 변화”가 시작점이 되었던 것 같다. 보이지 않는 마음 이나 기운, 정서적인 것을 이미지로 표현하고자 하다 보니 어느 때는 밤의 풍경으로 마음 (심상)을 표현하기도 하고, 주변의 자연이나 풍경을 빌려 그 순간의 마음을 표현하기도 했다. 때론 설명적인 이미지는 아니지만 개인적이고 주관적인 형상과 색감, 터치, 마띠에르(텍스쳐)로 나의 마음(감정이나 심리)을 그리기도 했다. 자연을 통해 표현되는 정서나 기분은 더 나아가 자연에서 주는 자연만의 독특한 기운이나 생기(生氣)를 회화로 표현하는 것으로 확장되었다.
이러한 기운(생기生氣, 에너지)은 주로 도시 주변의 자연이나 여행 중의 만난 자연을 통해 전달받는데, 자연 속의 그 다양한 기운을 담아내는 나의 방식은 자연주의적인 묘사보다는 그 순간 그곳에서 느낀 기운을 살아 움직이는 듯한 붓터치와 강한 마띠에르의 물성을 통해 표현해보는 것이다. 자연을 보고 느낌으로서 오는 긍정적인 기운(氣運)을 개인화된 시각적 인상이나 정서적인 인상으로 응축하여 이미지로 표현하려는 시도들이 나의 작업이자 결과물이 되고 있다.
자연주의적인 그리기 방식은 대상을 그리고자 하면 그 대상 기운이나 느낌보다는 생김새에 집중하여 그리게 되는 경우가 발생해 전달하고자 했던 본질적인 그 기운이 잘 전달되지 않는 경우가 내 경우에는 종종 있었다. 그래서 그 기운(에너지)은 대상의 생김새에 대해 최소한의 붓질이나 표현만으로도 그려진 대상을 알아볼 수 있도록 함축적 표현을 하되 그 기운을 담거나 전달하는 것이 중요했다. 이러한 자연 속의 기운은 감추어질 때도 있고 일상에서 잔잔하게 보여주거나 어느 때만 살짝 혹은 강렬하게 보여주는데 그 순간을 마주하는 사람들은 자연 속에서 그들의 생기(生氣)를 직접적으로 느끼게 된다. 작업의 소재로는 들판, 숲, 태양과 달, 나무와 풀들 등을 주로 다루는데. 이러한 대상들이 뿜어내는 기운(氣運)들에 대한 나의 주관적인 이미지 채집능력과 시도들을 통해 그려진 작금의 회화들을 통해 보는 이들과 긍정적이되 살아있는 기운(생기 生氣, 에너지)을 주고받길 기대해본다.
[이이정은 작품이미지]
<이이정은_ 거기, 뚫고 나오기_202063, 65.8x53.2cm, Oil on canvas, 2020>
<이이정은_ 거기, 여름의 용연_202063, 65.8x53.2cm, Oil on canvas, 2021>
차소림
학력
1996년 홍익대학교 미술대학원 졸업
1993년 홍익대학교 미술대학 졸업
개인전
2019 실존적 유토피아, 금호미술관, 서울
2014 일상의 저편, 금호미술관, 서울
응시된 풍경, 이마주갤러리, 서울
2012 낯선 휴식, 유아트스페이스, 서울
2010 언어의저편, 금호미술관, 서울
2006 Decode, 두루갤러리, 서울
2004 message & code, 갤러리 빔, 서울
2002 시간과 공간 그리고 빛, 성보갤러리, 서울
1995 제1회 개인전, 이십일세기 갤러리, 서울
그룹전
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 씩스틴, 김현주갤러리, 서울
23.5도, 가이야갤러리, 서울
REFLECT, 석파랑 아트홀, 서울
2017 공간의 저편, 021갤러리, 대구
2015 이성의 수면, 스페이스 k, 대구
소마드로잉센터 아카이브 등록작가 초대전, 소마드로잉 ‘무심‘전, 서울
2014 Namu Artist Show, 나무갤러리, 서울
2013 회화, 돌아오다, 갤러리 그리다, 서울
2011 WHITE-scape 전, SP갤러리, 서울
6objects, JUNG 갤러리, 서울
2010 Free Style: A Dialogue Bettween Art and Design, 홍익대학교 현대미술관, 서울
2008 'Materialiity +Meaning' Contemporary Korean Fiber Exhibition, Rosenwald- Wolf Gallery, 미국
Long Day's Journey, 리씨갤러리, 서울
프레 양평환경미술제, 마나스아트센터, 양평
미술은 지금이다(부산비엔날레 특별전), 부산문화회관, 부산
삼각주-합류된 서로 다른 시선들, 대구문화예술회관, 대구
2007 the Messages from Korea, The Bonington Gallery, 영국
Japan. Korea Fiber Art Exhibition, Musashino Art University, 일본
공명의울림, 대구문화예술회관, 대구
Light & Line, 갤러리 가이아, 서울
Thinking of 2007, 두루갤러리, 서울
2006 Stitch, 충무아트갤러리, 서울
The International Fiber Art Story, 시안미술관, 대구
한일섬유미술전, 홍익대학교 미술관, 서울
Passion of Korea Youth Artists, 세종문화회관, 서울
2005 아시아 여성미술대전, 시립미술관, 서울
남남북녀전, 가나아트센타, 서울
2004 혼성의정원, 대구전시컨벤션센타, 대구
2003 text, 아트스페이스 휴, 서울
Internationale Textilkunst Graz, 그라쯔, 오스트리아
국제현대섬유 예술전, 대구 예술회관, 대구
한.일 바스켓트리 교류전, silk Gallery 주한일본대사관 공보문화원, 서울
2002 Object& Object, 두루 갤러리, 서울
2001 International Textile Symposium Graz, 그라쯔, 오스트리아
1997 ‘97 이 작가를 주목한다, 동아 갤러리, 서울
1996 프리뷰전, 이십일세기 갤러리, 서울
1994 New Form전, 윤 갤러리, 서울
레지던시
2001 International Textile Symposium and Workshop, 그라쯔, 오스트리아
수상
2014 서울문화재단 기금수여
1998 중앙미술대전, 호암아트홀, 서울
작품소장
국립현대미술관 미술은행, 국립현대미술관 정부미술은행
[평론글]
연속적 흐름을 생성하는 차이
일상이란 이것저것이 혼재된 모호한 현실을 싸안는 만사형통의 단어가 되었지만, 차소림이 ‘일상의 저편’ 전에서 주로 문제 삼는 일상은 그 언어적 속성이다. 매체로 포화된 현대에서 이러한 일상성은 더 큰 위력을 발휘한다. 우리의 일상을 채우는 언어는 심심풀이로 떠드는 수다부터 법적인 강제조항에 이르는 폭을 가진다. 그것은 또한 무의식적 차원에서 의식적 차원까지, 사적인 영역에서 공적인 영역까지, 정신적 차원에서 물질적 차원까지 두루 관통하며 우리의 현진실을 중층 결정짓는 요소이다. 언어적 일상은 공기와도 같이 편재하지만 그것이 마냥 편리한 것은 아니다. 어떤 이는 이 언어적 일상을 잘 내면화하여 수월하게 헤쳐 나가지만, 어떤 이는 거기에서 저항감을 느낀다. 맞지 않는 옷처럼 이물감이 느껴지는 이 환경화된 실체, 또는 관계는 인간이 자연 아닌 문명 속에서 살고 있음을 증거 한다. 그러나 인간은 자연에 반쯤은 걸쳐있기에 언어적 현실은 그 혜택만큼이나 폐해로 다가온다.
효율이나 실증이라는 명목아래, 모든 것을 확립된 언어로 환원시키려는 세상의 압박은 거부감을 준다. 세상은 중심의 언어와 주변의 언어로 나뉘어져 있으며, 언어는 소통만큼이나 단절을 야기 한다. 예술가란 그러한 질서에 편승하기를 거부하면서, 언어를 변화시킴으로서 일상도 변화시키려는 야심을 가진 자가 아닐까. 언어라는 도구가 자신의 자율성을 주장하면서 인간사회의 질서를 틀어쥘 때, 작가는 또 다른 방식으로 언어에 자율성을 부여하면서 언어적 일상의 틈을 벌리고 어떤 변화를 시도한다. 언어의 자율성을 인간 위에 군림하는 질서가 아니라, 현재의 인간적 질서를 변화시킬 수 있는 주요한 지점으로 삼는 것이다. 전시장 여기저기에 놓인, 하얗게 연마된 언어의 파편들은 언어를 연마하는 예술가들의 작업을 단적으로 알려준다. 작가가 언어를 연마하는 것은 일상에서 타인들보다 더 잘 말하기 위해서, 또는 확립된 일상을 장식적으로 돋보이게 하기 위함이 아니다.
대체로 현대예술가들의 언어는 통상적인 소통과는 거리가 있고, 장식은 더더욱 아니다. 차소림은 일상이 아니라, 일상의 저편을 응시한다. 그러나 언어적 일상을 완전히 초월할 수만은 없다. 사회질서 속에서 살아가는 인간의 위치가 그렇고, 그 안의 작은 해방구라고 할 수 있는 예술 또한 언어로 이루어져 있기 때문이다. 예술은 물론 주체조차도 언어 없는 상태를 상상할 수 없다. 지배적 언어로의 완전한 동화는 기존의 질서를 재현하는 것에 머물고, 언어가 없는 상태란 무의미한 정신분열을 낳을 뿐이다. 다른 것을 말할 수 있는 가능성 때문에 광기는 예술에서 예찬되기도 하지만, 예술과 광기는 차이가 있다. 예술과 광기를 하나로 보는 것은 예술가의 전설이나 신화에 불과하다. 이성이냐 광기냐, 그 어느 한편으로의 귀결은 오히려 편리할 것이다. 대신에 우리는 이성 속의 광기를, 광기 속의 이성을 논해야 한다. 이성이든 광기든, 언어는 양자의 관계를 드러내는 중요한 차원이 된다.
차소림의 작품에서 언어적으로 규정된 일상은 인정할 수밖에 없으면서도 초월하지 않으면 안 되는 이중적 속성으로 나타난다. 전시는 언어와 언어너머, 존재와 부재 간의 역학관계와 숨바꼭질이 일어나는 장이다. 작품 곳곳에 있는 언어와 그 파편들은 물인지 바람인지 구름인지 알 수 없는 유동적 요소들 사이에서 수수께끼같은 사물로 출몰한다. 그림 안팎의 언어의 파편들은 조약돌처럼 닳아있거나 어디선가 막 생겨나려는 듯한데, 그것은 언어에 내재된 역사성과 시간성을 예시하는 듯하다. 그것들은 어떤 힘에 의해 반쯤은 가려져 있거나 사라지는 듯이 보이지만, 그림 안팎에서 여전히 현존한다. 그림 속에서 그것은 다른 무엇을 전달하기 위한 수단이 아니라, 하얀 물감튜브에서 짜낸 덩어리처럼 그 물성을 드러낸다. 화이트 큐브 안에서 하얀 표면을 가진 기호의 파편들 역시 눈에 띔과 띄지 않음 사이에 존재한다. 사실, 언어 자체가 부재의 증후이다.
2차원 상에서든 3차원 상에서든, 하얀 덩어리들은 어디선가 떨어져 나온 파편이라는 물질성을 표시한다. 언어적 요소는 맥락성이나 완결성을 잃고 물질화되어 그림 안팎을 떠돈다. 표면이 부드럽게 갈리고 닦여진 하얀 덩어리들로 가시화된 언어의 파편들은 명확한 의사소통의 기능을 잃고 시적인 사물로 변해있다. 그것들은 지나가는 그림자를 비롯한 주변의 작은 변화도 수용할 만큼 예민하다. 그림 속 장면이나 전시장 전체는 유적지처럼 띄엄띄엄 놓여있는 언어적 요소들이 알레고리로 다가온다. 탁자나 상자 등에 놓여 있는 언어의 파편들은 밖으로 꺼내어진 무의식적 요소임을 암시하는 듯하다. 작품 [일상의 저편]은 그림이 바닥에 그냥 놓여있고 하얀 박스와 계단, 언어기호들이 안팎에 배치되어 있으며, 어딘가를 바라보는 사람들의 사진 이미지가 곳곳에 배치되어 있다. 그림 안에 있는 것이 바깥에도 있고, 전시장 안에 들어와 작품을 보는 이들의 행동과 상황 또한 반복된다.
가령 계단을 몇 개 내려와야 진입할 수 있는 전시장에서 관객은 작품을 바라보는 작은 계단 위의 인간들을 볼 수 있다. 무의식의 차원으로 내려와서, 무의식이 승화된 작품을 바라다 본다. 계단은 그림속에도 등장하면서 여기저기 불연속적인 시공간을 이어주는 매개가 된다. 계단은 여기와 저기를 이어준다. 차소림의 그림에서 여기와 저기는 불확실한데 계단만 확실하다. 그것은 언어의 기능처럼, 어디론가 우리를 데려가는 중성적인 수단을 표현한다. 현실은 언어라는 허구를 통해서만 도달할 수 있는 것이기에, 현실/허구는 선후를 가릴 수는 있어도 경중을 가리기는 힘들다. 그러나 차소림의 작품에서 언어는 투명성을 거부하며, 곳곳에서 자신의 물질성을 주장한다. 그림 속에서 언어적 요소는 유동적 흐름에 저항하며 서있고, 그림 밖에서 하얀 언어의 덩어리들은 읽히기 보다는 조형적으로 다가온다. 작품에서 발견되는, 현실과 허구 사이의 이러한 트임과 호환성은 어떤 닫힌 환원적 체계를 거부한다.
그림도, 언어도, 주체도 관계망 속에 존재할 뿐, 그자체로 온전히 서있을 수는 없다. 관계들은 각각의 존재보다 더 유연하고 그래서 강력하다. 작품 [강 건너_기슭에서]는 3개의 그림을 따로 또 같이 붙여 놓았다. 그림 안에 있는 차이(균열)와 흐름(연속)이 그림 사이에서도 관철된다. 바람, 구름, 물, 또는 붓질 그자체처럼 보이는 유동적 흐름들 사이사이에 사람들이 박혀있고, 기호의 파편과 접어 세워놓은 종이처럼 보이는 각진 구조물이 있다. 인간은 매우 작고 대부분 자기들끼리 상호관계가 부재한다. 그들은 소비자나 관광객 같은 수동적인 구경꾼으로 나타난다. 언어로 이루어진 풍경, 언어가 기후적 현상으로 나타날 만큼 총체적인 환경이 된 그곳에서 주체의 위상은 크지 않다. 말과 인간은 관광지와 관광객처럼 낯설게 만난다. 그것은 소외로 다가올 수도 있다. 즉 그것은 언어로 이미 구조화된 세상에 선택의 여지없이 태어나야 하는 인간의 운명을 나타낸다.
현대 정신분석학이 주장하듯이, 인간이 언어를 말하기보다는, 언어가 인간을 통해 말해진다. 사회의 질서를 장악하고 있는 언어적 그물망 속에서 인간은 자유롭지 않다. 언어, 또는 구조 중심적 사유에서 인간의 위상은 초라하다. 그러나 그것은 불행도 행복도 아니다. 오히려 그것은 지난 시대의 과도한 주체 중심적 사유를 반성하는 계기가 될 수 있다. 인간이 사라지거나 주체라 할 수 없을 만큼 타자화 되는 현대미술의 양상은 현대문화의 전반적 흐름과 함께 한다. 어떤 지시대상으로 귀결됨 없이 자유롭게 칠해졌지만 동시에 어떤 지형지물이나 기후적 현상을 암시하는 풍경은 멋진 유토피아처럼 보이기도 한다. 동시에 그것은 언어, 자연, 인간 같은 이질적인 것들이 부드럽게 연결된 헤테로토피아이기도 하다. 그러나 그 속에서 인간은 동시에 길을 잃는다. 스티커로 만들어 붙인 인간들은 낭만주의 풍경화나 동양의 산수화 속 인간이 떠오르기도 하지만, 풍경과는 이질적이다.
인간이 만들어냈고, 인간을 만드는 언어적 환경은 조화롭다고만 할 수는 없다. 그러나 서로 간의 차이와 간극 역시 감흥을 자아내는 요소이다. 작품 [흐르는_강물처럼]은 서로 떨어져 있는 사람들 간에 텔레파시처럼 통하는 어떤 기운이 있다. 사실, 차이와 간극은 언어적 소통에 있어 주요한 요소가 된다. 총체성이라는 보편적 지식인의 이상이나, 하나 됨이라는 낭만주의적, 종교적 이상과 달리, 다름과 차이는 서로의 소통을 추동하는 에너지가 된다. 어떤 작품에서 차이와 간극은 적당한 긴장을 넘어서 위기감을 준다. 미술관 벽 위에 자그맣게 설치한 작품들이 그렇다. 작품 [기다리며_바라보며_흐르는_물_옆으로]와 [기다리며]는 골판지위에 그러진 작은 이미지가 미술관 벽에 튀어나온 하얀 선반들 위에 놓여 있고, 선반에서 흘러내리는 실타래들을 보여준다. 작아서 더욱 고립무원처럼 보이는 섬들은 세계와의 연결망이 끊어 진채 그렇게 작은 소우주들을 이루고 있다.
그림 안에서의 흐름은 하얀 절벽에 막혀 바깥으로 이어지지 않는다. 아마 그 바깥의 세상은 또 그 나름의 흐름이 지배할 것이다. 이 두 흐름은 어떻게 연결될 수 있을까. 서로간의 다름이 소통을 위한 필연적 계기가 되는 것이 아니라, 애써 봉합되어야 할 장애로 여겨지는 한, 예술과 현실은 화해하기 힘들 것이다. 일상의 저편이 아닌 일상의 이편에 예술이 있는 세상은 차이를 축복하는 진정 다양한 사회일 것이다. 하나의 언어가 아닌 서로 다른 언어를 인정하면서, 서로의 이해를 위한 거리를 무한한 유희의 장으로 삼을 수 있다면 좋을 것이다. 그러나 세상을 지배하는 언어는 점점 단순해지며, 그래서 폭력적으로 다가온다. 세계각지의 다양한 언어는 생태계만큼이나 소멸의 위험에 놓여있으며, 언어는 조건반사를 야기할 뿐인 단순한 약호로 변해가고 있다. 우리는 서로의 차이를 참지 못한다. 그리고 차이란 권력으로 결판이 나고 만다.
갖가지 스펙터클이 범람하는 현대가 권태를 더욱 부채질 하는 이유는 지배적인 코드들 간의 차이가 부재하기 때문이다. 하나의 코드가 지배적일 때 그것은 소통이 아니라, 흡수일 뿐이다. 조화가 아닌 동화일 뿐이다. 어느 시대보다도 주체는 비대화되었지만, 그 주체를 채우는 것들이 모두 같다는 것, 그래서 권태 한 켠에 가혹한 경쟁과 전쟁이 빈번하다는 것이 우리의 일상이다. 일상이라는 가장 많이 호출되는, 그래서 상투적인 개념을 앞세우면서도 그 일상을 채우는 언어적 실재와 관계를 부각시키는 것은 의미가 있다. 일상을 이루는 다양한 실타래에서 언어를 부각시키는 전시 ‘일상의 저편’은 동시에 ‘언어의 저편’--2010년 개인전 부제이기도 했다--으로 다가온다. 일상, 또는 언어의 저편에는 신비와 무한이 있을 것이다. 그리고 일상의 기계적 반복을 멈추게 할 근본적인 변화의 원천도 거기에 있을 것이다. 차소림의 작품에서 출몰하는 타자는 때로 절대적 타자(신)로 현시되곤 한다. 자신이 만들어낸 우주 속에 인간들을 이리저리 배치하는 전능한 시점도 발견된다.
물 흐르듯 자유롭게 흐르는 부드러운 풍경에는 자유롭지 못한 일상의 진실이 깔려 있으며, 그림 안팎의 하얀 사물들은 이 불편한 진실을 증거 하는 언어의 형해로 다가온다. 차소림의 작품은 여러 요소들을 자연스럽게 묶어낼 수 있는 풍경의 형식을 취하지만, 풍경을 이루는 요소들에서 확실한 모양새를 갖춘 것은 어디에선가 찍어온 구경꾼들 뿐이다. 각각의 맥락에서 탈맥락화되고, 작품 속에서 재맥락화된다. 현대인을 특징짓는 구경꾼들은 빽빽하게 짜여진 일상적 시공간으로부터 자유롭게 놓여난다. 인간의 크기가 작기에, 상대적으로 배경은 더욱 광활해 보인다. 그들은 대부분 어딘가를 본다. 그래서 그들을 보는 관람객들은 그들과 같이 저편을 보게 된다. 지금 여기를 넘어서는 또 다른 시공간이 계속 암시된다. 작은 인간의 이미지를 삽입함으로서 풍경은 기념비적 차원을 획득한다. 인물이 사진에서 유래한 명확한 도상적 특성을 가지고 있기에 배경은 더욱 자유로워 보인다. 그러나 무의미한 붓질로 와해되지는 않는다.
인간과의 관계망을 통해 붓질의 우연적 흐름은 산이 되고 강이 되고 바다가 될 수 있다. 인간을 나타내는 도상과 붓질 간에 놓인 스케일의 격차는 결코 크다고 볼 수 없는 붓질을 확대한 것 같은 효과를 주며, 확대라는 점에서 무의식적 요소가 전면에 드러난다. 일상에서, 무의식적 선의 진정성은 필적 감정 등에 활용되기도 한다. 우연은 어떤 맥락을 통해서 우연 이상의 것이 되고 자유로 고양된다. 인물들은 맥락만 모호하지만, 배경은 어떤 형태도 결정적이지 않다. 이건가 싶으면 저것 같다. 그리고 간극들 사이에서 잠재적 공간이 계속 생겨날 수 있다. 거기에는 한 번의 생성이 아니라, 연속적인 생성이 있으며, 궁극적으로는 막힘없는 생성을 요구한다. 재현이 아닌 생성의 차원은, 언어적 세상에 태어나는 인간이 동일자가 아닌 타자를 말할 수 있는 계기를 말한다. 새로운 것을 말해야할 과제를 가지는 작가가 주목할 만한 대목이다. 물질과 에너지의 차이에 따라서 어떤 기후적 흐름이 생겨나듯이 차이는 흐름을 만든다.
간혹 박혀있는 언어적 요소 때문만이 아니라, 차소림의 그림과 설치는 차연에 기반 하는 언어적 속성을 내장한다. 풍경 또는 장면 속 요소들이 서로가 밀고 밀리면서 미끄러지는 관계는, 기표와 기의 사이의 일 대 일 관계가 아니라, 미끄러지는 관계를 주장한 후기구조주의의 사고와도 닮았다. 지우기와 그리기가 잘 구별되지 않는 차소림의 풍경은 말소되지 않는 차이의 흔적이 있다. 해체주의처럼 언어는 탈중심화 되고 불확실한 기원을 대신하는 대리와 보충도 발견된다. 어떤 한 개념의 의미를 찾기 위해 연속적으로 사전을 찾아야 하는 경험처럼, 언어는 실체가 아닌 관계를 통해 작동된다. 작가는 산을 그리려 하면 산이 안 그려지고 바람을 그리려 하면 바람이 안 그려지기 때문에, 산이나 바다를 생각하면서 붓을 놀리고, 궁극적으로 산이나 바람이라는 생각조차도 놓고 가려한다. 붓질의 자유로운 에너지가 살아있는 차소림의 회화는 손과 의식을 넘어서 몸과 무의식을 투척한다. 산을 알지도 못하고 산을 규정하려 드는 언어적 횡포에 맞서, 산을 알기위해 스스로 산이 되려 한다.
존재를 감싸는 불확실한 운무들은 되기를 위한 적절한 바탕이다. 이 야생적 바탕 위에서 기존의 언어로 규정될 수 없는 이질적인 것이 모습을 드러낸다. 존재가 아닌, 되기의 차원은 변해가는 와중에 있는 언어적 형상에도 발견된다. 언어는 그자체로 완전하거나 투명한 중성적 도구가 아니라는 점은 시적인 가능성으로도 다가온다. 기호 형상을 이루는 하얀 덩어리들은 석고를 깍아서 만들거나 그것을 FRP로 확대한 것이다. 잘 연마한 민감한 표면은 든든한 반석 같은 견고함을 가지고 있지 않다. 조각난 하얀 덩어리들은 언어자체보다는 언어적 과정에서 야기될 수 있는 변형을 연상시킨다. 언어는 자족적이지 않고 투명하지도 않다. 그러나 그럴 것이라는 기대치는 있다. 언어의 불완전성은 여러 차원의 맥락을 통해 보충된다. 그러나 보충의 원천이 될 여러 차원들이 하나하나 소멸해 간다면 불완전한 언어적 현실만이 덩그러니 남는다.
그러한 불완전함이 완전함을 가장하면서 군림하고, 인간을 안팎으로 규정한다. 차소림의 작품에는 인간을 작게 하는 언어의 거대한 위상이 있다. 그림 속에 풍경화 된 언어가 나오는 구도는 르네 마그리트의 작품 [대화의 기술]을 떠오르게 한다. 마그리트의 그림 속 언어적 형상은 하단부에 꿈(Reve)이라는 단어가 포함되어 있는 돌무더기 근처에서 사람들이 있는 풍경이다. 돌 글자는 작은 인간들에 비해 기념비적인 차원을 획득한다. 미셀 푸코는 [이것은 파이프가 아니다]에서 그 작품을 ‘사람들의 무관심 속에서 그들 자신의 고유한 말을 이루어내고 있다’고 묘사한 바 있다. 소외와 자유가 한끝 차이일 수 있듯이, 여기에서도 언어의 자율성은 두 가지 계기가 있는 것 같다. 르네 마그리트의 작품 속의 말은 무엇인가를 확인하거나 재현하지 않는다. 푸코는 거기에서 현대적 인식론을 발견한다. 푸코에 의하면, 마그리트는 유사(類似, ressemblance)에서 상사(相似, similitude)를 분리해내고 후자를 전자와 반대로 작용하게 한다.
푸코는 마그리트의 그림 [이것은 파이프가 아니다]에서 모든 구도들 위로, 그 어떤 참조 틀로도 고정시킬 수 없는 상사체들이 활강하고 있다는 점, 그것은 출발점도 지주도 없는 이동들이라는 점을 지적한다. 그리고 그림이 확언이 아니라는 것, 자신 외에 그 어떤 것에도 귀속되지 않게 되는 에테르 속으로 끝없이 피어올라가도록 둘 것을 제안한다. 차소림의 작품 또한 푸코가 말한 의미의 비재현적이고 비확언적 공간을 보여준다. 여기에서 모든 것이 표류하고, 이상한 관계가 맺어진다. 스티커로 부착된 인간 이미지를 비롯한 작품 속 드문드문 보이는 재현적 요소는 관계망을 위한 교차점일 뿐, 그 자체의 실체감이나 의미는 없다. 작가는 기존의 언어에서 다른 것을 말할 수 있는 가능성을 그림이나 그림들 사이에서 찾고자 한다. 기존의 언어세계에 변화를 위한 도전장을 내는 것은 몸과 무의식이다. 차소림의 상상적 풍경에는 상징계와 현실계 사이의 긴밀한 역학관계가 있다. 회화는 어느 매체보다도 이러한 도전과 실험을 가능케 하는 새로운 매체이다.
이선영(미술평론가)
[차소림 작품이미지]
<차소림_마을이 있는 풍경, 53x40.5cm, Oil on canvas, 2019>
<차소림_붉은 산 풍경, 45.5x53cm, Oil on canvas, 2019>
최승희
학력
2003 런던예술대학교 첼시 미술대학원 Diploma과정 수학
1985 고려대학교 교육대학원 졸업
1981 한양대학교 졸업
개인전
2015 感, 갤러리 UNC, 서울
2013 내재율, 갤러리 구하, 서울
2010 제4회 최승희 개인전, 인사아트센터, 서울
2009 제3회 최승희 개인전, 인사아트센터, 서울
2008 제2회 최승희 개인전, 인사아트센터, 서울
2007 제1회 최승희 개인전, 인사아트센터, 서울
단체전
2021 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2020 씩스틴, 김현주갤러리, 서울
Group 23.5, 갤러리가이아, 서울
2019 상상전(Imagination), 갤러리 자작나무, 서울
2018 풍경전, 갤러리 자작나무, 서울
2017 화가의 자화상, 갤러리 두인, 서울
2015 SeMA shot: 공허한 제국, 서울시립 남서울 미술관, 서울
2013 한?일?중 국제교류전, Brickhall 갤러리, 일본
2011 아페르토(Aperto) 그룹전, 가일미술관, 경기도
2010 Gaze초대전, GS the street 갤러리, 서울
색시만발(色視滿發) 한?중 현대미술 교류전, Feizi 갤러리, 중국
색시만발(色視滿發) 한?중 현대미술 교류전, 자하미술관, 서울
작품소장
㈜하나투어, ㈜한국퀄컴
[평론글]
강박과 억압의 기화, 내 안의 나를 향한 시선 - 작가 최승희의 근작을 중심으로
1. 동시대미술에 있어 다매체에 대한 호의적인 허용(본의든 아니든)은 우리 시각에 직접적으로 맺힌 잔상(潺狀)을 손으로 더듬어 옮기던 회화 제작과정에 큰 영향력을 미쳤다. 하지만 르네상스이후 시각적 인지를 기반으로 하던 2차원적인 회화 기법이 가져다준 독특한 매력은 화가들에게 강인한 애착을 심어주었던 것은 사실이나 과학과 더불어 발전하기 시작한 다양한 매체들의 공습으로 인해 수백 년이 지난 현재까지 온전한 파급력을 갖고 있다고는 보기 어렵다.
실제로 오늘날 고유한 수작업 경향을 지닌 작업들은 혼돈스러운 현대미술의 격랑 속에서 다변화에 적응해야하는 처지에 놓였으며 어느 정도는 영원불멸할 것 같았던 권좌를 내려놓거나 일부는 좋던 싫던 동시대 ‘흐름’에 양보해야 했다. 18세기를 넘어서며 도래(到來)한 과학기술의 발달에 따른 사진이나 영상매체 등이 등장함으로써 회화는 조연에 머물러야 했고 손이나 붓, 캔버스 대신 앵글과 필름, 인화지와 픽셀(pixel)이 그 개념성의 상위에 자리함으로서 새로운 시대, 새로운 환경에 따른 이미지들의 구현을 조용히 목도해야 했다.
그렇다고 다양성을 중심으로 하는 동시대 외위(外圍)의 출발이 반드시 바람직하지 않다 할 수 있는 것만은 아니다. 이는 미적 대상에 대한 작가적 시각의 일탈을 고려케 했으며 그들의 미적 태도 역시 자연스러운 인지의 변화를 맞이하도록 이끌었다는 점에서 긍정성도 수반하는 게 사실이다. 가시적 변화는 회화의 개념을 한층 넓어지게 하는 역할을 했으며, 조형과 예술미에 대한 작가들의 욕구를 보다 기교적으로, 보다 심층적으로 다가설 수 있도록 하는 가능성을 내포(內包)하도록 했음 또한 부정하기 어렵다. 물론 외부 환경에 대해 내부 환경(milieu interieur)의 개념을 보다 확고하게, 내용적으로도 훨씬 더 자유로운 창작의지를 심어줄 수 있도록 만들기도 했다. 그리고 작가 최승희의 2007-2008년 작품들도 이와 같은 범주에서 해석할 수 있다.
지금으로부터 약 10여년 가까운 세월이 흘렀지만 당시 최승희의 작업은 본래 수용의 깊이가 남다른 회화를 근간으로 한 것이었다. 필자는 그의 회화작업들을 접하며 ‘미적으로 중요한 것은 작품의 지닌 역사나 작가 개인의 경력이 아니라 작품 그 자체’라는 예술진리를 증명하는 예로써 부족함이 없음을 인식하곤 했다. 자유롭고 에너지가 넘치는 그의 회화작품들은 놀라운 시각적 고요함과 더불어 가슴 밑에서부터 밀려오는 격정으로 가득해 보는 이들을 감동의 끝자락에 서게 하는 묘한 매력을 지니고 있었고, 모르긴 해도 그것은 아마 마음 깊은 곳, 인위적이지 않은 진공의 상태에서 자연 그대로의 모습으로 분출되는 자신 본연의 심상을 이미지로 담아낸 것이라고 생각했다. 동시에 숭고한 예술적 정신을 무의식적 상태에서 발현하려는 남다른 창조의지가 열정 아래 피어난 결과로 인한 것이 아닌가 싶기도 했음이다.
2008년 이후 제작된 몇몇 작업들 역시 작은 흥분과 설렘을 유도하기에 부족함이 없는 것들이었다. 내적 이면에 놓인 존재성을 구현하기 위해 보이지 않는 심리적 무질서한 충동이나 욕망과 싸우고, 자동적인 과정을 사려 깊게 통제하거나 무언가의 결핍을 채우려는 욕망을 발견하게 하는 당시 그의 회화작품들은 지적 명확성을 확연하게 만드는 것들이었다. 이와 같은 평가가 가능한 것은 그 이전 개인전에서 선보인 작품들을 통해 자신의 작품에 대한 미적 태도와 고유의 미적 가치, 그리고 그 미학적 범위가 어느 선에서 위치하고 있는지를 여실히 증명해준바 있기 때문이며 시간을 되돌아 현재도 그 특성이 전혀 희석되지 않고 있는 탓이 크다.
2. 헌데 2008년을 넘어서며 그는 잠시 회화를 접는다. 그때 만들어진 작품들의 다수는 공교롭게도 사진이라는 약간의 기계적인 구조를 활용하고 구체적 형상이 드러나는 것들이어서 회화와 오브제, 드로잉을 선보였던 2007년 1회 개인전과는 외적 차이를 지닌다. 이전 작업들이 침묵하는 가운데 포효하는 행태였다면 사진을 활용한 작품들은 구성진 스토리가 있고 또렷한 내레이션이 흘러나오며 우리에게 익숙한 각종 상(像)이 타블로 위에 놓여 있어 선후변별을 명료하게 만든 것들이 주를 이뤘다. 불과 1년 사이에 약간의 변화가 있던 셈인데, 그러나 이는 정확히 말해 변화라기보다는 회화적 균일성을 배제하기에 앞선 일종의 ‘차가운 시도’로 분석할 수 있다.
최승희에게 있어 이 ‘시도’는 미적 인지를 환기시키는 스펙트럼이 확장되었고 그동안 몰랐던 일상과 사물들에서 지각의 즐거움을 찾으려는 시도를 엿보도록 한다. 이는 ‘순수예술의 회화성’과 ‘진실재현의 포토리즘(Photoism)’ 사이에서 작은 이탈을 시도하려는 몸짓으로 이해 가능하며, 구체적으론 미적 대상에 대한 직접적인 시각화와 그에 따른 회화의 개념을 한층 넓히려는 의도로 풀이할 수 있는 것이었다.
내용상으로도 당시 작품들은 훨씬 더 리얼하거나 깊이 있는 방법의 묘를 꾀한 채 소소한 사물과 현상에 대해 직접적인 시선을 녹여내고 있어 이전 작업들과 별개의 것으로 판단하게끔 하면서도 조형에 대한 작가 본인의 욕구를 보다 심층적으로 완성하고 있다.
일상에서 발견할 수 있는 여러 사물과 주변 환경, 단상들을 지극히 정적인 단계에서 끌어 올려 화자의 시각을 세심하게 끄집어내는 최승희의 사진작업은 격정을 대신한 부드러움, 나른한 여백보다는 실제성으로 인한 실존성이 부각되고 있는 게 특징이다. 그 속에는 기억이 있고 심리적 부산물들이 부유하고 있으며 사회 및 정서적 연민과 고민, 대상과 현상에 대한 작가의 날카로운 감각이 사진 자체의 명징함과 어우러져 고스란히 표출되고 있다. 특히 무엇을 말하고 있는지에 대한 설명이 명확하고 주제의식 역시 명징하다. 그런 차원에서 볼 때 그의 사진작업은 표피적인 관점에서 미적 관심을 유발한 대상에 대한 적절성을 고민했음을 인지토록 하며 시간의 경과와 비례한 시각 확장을 통해 무한한 기록성을 유지하려는 나름의 시도가 이뤄지고 있음을 가늠케 한다.
3. 가상과 상상의 세계를 보장받으려는 듯 자신만의 조형언어들을 인위적으로 감춘 채 화면위에서 나지막이 조율되고 있는 사진작품들은 서로 다른 두 세계를 하나의 화면 속에 뒤엉켜 놓았다가 다시 질서를 부여해 색다른 이미지를 창조하기 위한 작은 용기의 결과물들이라고 할 수 있다. 외적인 의미에서도 그것은 시대변천에 따른 변화와 반복을 현실적으로 십분 수용하려는 입장을 밝히고, 현실을 기반으로 한 예술의 존재방식 및 교감양식에 대해 고찰해보려는 전위의 한 방식으로 풀이할 수 있다. 그러나 중요한 것은 겉으로 보기에 이전과 확연히 다른 표현방식에도 불구하고 회화적 맥락과 근간은 전혀 변화가 없다는 점이다. 표현방식의 다름이 여운의 차이도 몰고 왔다는 점을 부인할 수 없지만 표피(表皮)적인 것과 본질적인 문제에 따른 회화의 가치는 보이지 않는 곳에서 여전히 유유히 흐르고 있음은 여전히 유효하다.
당시 사진작업은 결과적으로 미적 수용의 다양성에 접근함을 목도케 했으며, 이는 관념의 확장과 태도의 변화를 촉발시켰다. 색다름에 대한 갈구는 사진이라는 또 다른 메커니즘을 별다른 무리 없이 받아들이게 했고 그것이 표현방식을 약간 수정토록 한 원인으로 작용했다. 만약 최승희의 작업을 보며 이전의 회화 작업과 무언가 차이를 느꼈다면, 그것은 바로 내적으로 수용되어 머물던 심상들이 내부에서만 부유하지 않고 밖으로 돌출되는 양상이 시각적 굴곡을 띠고 있기 때문이며 이는 표현의 운용(運用)이 기존 회화와의 가시적 차이를 유도하고 있는 탓으로 해석할 수 있다. 따라서 필자는 당시 그의 사진 작업들에 대해 현대회화라는 시대적 관점에서 새로운 영역의 개척을 위한 전령으로 사진작업을 펼쳐 보이고 있는 것이며 회화가 지닌 속성과 그것을 바탕으로 한 마술적 힘을 이면에 감춘 채 방법상의 하이브리드(Hybrid)를 인위적으로 형성하고 있는 것으로 받아들인다. 그가 오랜 시간 예술이 단지 고립된 이론적 존재로서 삶의 내용을 해석하는 것이 아님을 강변해 왔듯 그때 그의 사진연작은 지극히 내면적인 것에 상상성이 가미되고 현실성을 바탕으로 한 표현의 운용(運用)이 그 내용과 폭, 깊이를 달리할 뿐, 궁극적으로는 나와 우리, 그리고 자아(Ego)와 존재성을 기반으로 하고 있다는 점에선 동일하다 할 수 있다.
4. 그런데 그의 객관화된 매체를 이용한 사진 작업은 그리 오래가지 않았다. 어떤 특정장르에 구속되기 보다는 오브제, 설치, 사진 등으로 다채롭게 펼쳐져왔던 스타일을 엿보였던 것처럼 2010년대에 접어들면서 작가는 다시 한 번 변화를 꾀한다. 그동안의 여러 실험적인 행태를 적절히 조화롭게 구성하는 방식을 내보이며, 매체는 분명 회화이지만 일상에서 발견할 수 있는 여러 사물에 관한 이미지와 단상들을 지극히 정적인 단계로 끌어 들여 재구성하는 과정은 수용했다. 그것은 정확히 말해 ‘컬러’이자 그것과 관련된 도상(圖像)이라고 할 수 있다.
2013년 즈음하여 선보인 작품들은 색에 대한 집요함이 묻어난다. 이국에서 마주한 사물, 그 사물에 반사된 빛이 망막에 맺혀 각기 다르게 구분되는 색의 물리적 현상을 캔버스마다 화자의 시각 아래 투영시켜 놓고 있다. 때문에 물질의 표면과 색의 부드러움이 그리드 되고, 빛에 의해 결정된 원색의 강렬함이 인간 심리를 상징하는 밀실같이 침잠된 배경에 드리워진 채 여백을 형성하면서 새로운 실제성을 부여받는다.
중요한 것은 이 모든 것이 심적 필터를 거친 결과물이라는데 있다. 심리학을 전공한 전문가답게, 단지 시각적 인지의 범주에 국한되지 않도록 기호화 하고 있다는 사실이요, 더욱 견고해지고 있다는 점이다. 그리고 겉으로 보기에 이전과 확연히 다른 표현방식에도 불구하고 오래 전 시도된 회화적 맥락과 근간은 전혀 변화가 없다는 점도 오늘날 그의 회화를 말할 때 언급될 수 있는 또 하나의 중요성이다.
이전 작업 대비 흥미로운 건 설정된 프레임, 즉 세상을 바라보는 마음의 장이 확장되는 수순을 내비치고 있다는 것에 있다. 그 이전 사진작업만 해도 화면 속 테두리는 캔버스 뒷면에 다른 캔버스를 넣어 촬영한 것을 기본으로 했으며, 이는 보이는 것과 보이지 않는 것, 갇힌 것과 가두는 것, 닫힘과 열림에 관한 것에 방점이 있었다. 또한 그건 매우 독특한 설정을 따르는 것이기도 했는데, 이와 관련해 미술평론가 윤진섭은 “캔버스의 뒷면이란 사실 별로 주목을 하지 않는 곳이다. 현대미술사를 통해 볼 때 특히 개념미술의 입장에서 캔버스 뒷면을 부각시킨 작품들이 간혹 보이긴 했으나, 최승희처럼 하나의 조형언어로 고착시킨 경우는 드물다.”고 평했다.
하지만 근작들은 오히려 2000년대 중반 시도된 초기 추상보다 더욱 열린 구조를 지향하고 있다. 당시 추상화들은 흑백의 단색조로 이루어진 미니멀한 성격의 작품들이 주를 이뤘다. 그때나 지금이나 작가의 내면 풍경과 관련된다는 점에선 변함이 없고, 두드러지는 마티에르 역시 동일성을 갖지만 그때만 해도 시간과 공간에서 발생하는 인과관계로 엮어진 실제 혹은 개별적 사건들을 연결하는 것에 중점을 둔 채 억제되고 단절된 감정을 담아내는데 핵심이 있었다면 2013년을 즈음해선 일정한 틀에서 벗어나 적극적으로 소통을 내세우고 그림 읽기의 확대를 강조하고 있다는 부분에서 차이를 발견할 수 있다.
이 같은 차이를 증명하는 시각은 과거 윤진섭의 평론에서도 드러난다, 그는 이전 전시(포토회화 전)에 관한 글에서 “내면의 풍경을 회화작업으로 보여준다고 했을 때, 그 세계는 항용 서사, 곧 다시 말해 ‘내러티브(narrative)’ 위주로 이루어지나, 그녀의 경우는 이것이 최소화하면서 미니멀한 추상의 언어 혹은 간략한 기호나 상징으로 치환되고 있다는 것이 (최승희 작업의) 특질이다. 미니멀한 추상작품에서는 어떤 ‘벽’ 같은 것이 느껴지는데, 여기서 벽이 곧 단절을 의미한다고 할 때, 소통이 부재하는 그 상황이란 ‘출구 없는 방’이 될 것이다.”라고 적었다. 하지만 지금의 작업에선 그 벽이 허물어져 내리고 있다. 물론 그만큼 자유로움은 포박된다.
눈에 띄는 특징은 ‘감각의 질’을 건드리는 화제(畵題)이다. 작가는 근작들에서 색과 심리성을 적절하게 합치시키며 새로운 언어창출에 다가서고 있다. 일례로 그의 2013년 작품 <The Road> 시리즈는 화려하고 번잡하기까지 한 간판이나 도시 사물, 동남아에서 흔히 볼 수 있는 택시의 눈부신 컬러에서 이미지를 빌려와 물리색과 생리색에 관한 지각을 거론한다. 이뿐만이 아니라 작가는 이를 인간의 정신 작용에 따라 다르게 나타나는 주관적인 색을 감정의 일부로 치환해 특정한 의욕과 동기를 불러일으키는 방향으로 고착되는 모습으로 나아간다.
대표적으로 <A sign board>연작이나 <수렴과 확산(Astriction & Diffusion)>과 같은 상치된 이미지가 인상적인 연작에서 느낄 수 있는 심리적 리듬이 그 한 예라 해도 과언이 아니다. 결국 이 작업들은 하나같이 색의 크기와 간극, 고유한 색깔자체의 이미지와 시적 순응에 따른 온도와 감성을 올곧이 화면에 담아내고 있는 셈이다. 그리고 이는 퍽퍽한 질감과는 달리 매우 세련되어 있다.
2007년경부터 지금까지의 작업을 연대별로 보건데, 최승희의 작업은 언제나 변화를 기틀로 함을 알 수 있다. 더 멀리는 2000년대 초반이나 현재나 이는 변하지 않고 있으며, 해체와 조립은 그의 작업에 있어 의미 있는 가치이다. 그러나 그의 작업에서 무엇보다 의미로운 건 작가 자신을 포함해 기존 규칙을 분해하고 있다는 사실이다. 보다 개방적이고 감각적이며, 사물과 언어, 표상과 존재, 중심과 주변이라는 이원론에서 이탈해 포스트구조주의에 걸맞은 다층적, 다원적 행태가 점차 진하게 목도된다는 것이다.
5. 현실을 텃밭으로 한 삶의 결이 녹아 있는 그림에선 그것만의 고고함이 배어난다. 제 아무리 감추려 해도 어쩔 수 없이 우러나는 그것은 때로 그 어떤 화려한 수사보다 감응적이며, 하나의 선(線), 하나의 면, 하나의 색깔이 꽉 채워진 휘황함에 앞서 뜻밖의 감동을 선사하기도 한다. 그건 흡사 지루하게 이어지는 구구절절한 설명 대신 단 하나의 각주가 수백 수천의 뜻과 의미를 포박하는 것과 같다. 그리고 필자는 최승희가 2015년 발표한 작업에서도 위와 유사한 유효함을 발견한다. 바로 <전습법>, <들숨날숨> 등의 제목을 한 그의 ‘검은 작업’ 연작이다.
이 시리즈는 일상에서 마주할 수 있는 여러 사물과 주변 환경, 단상들을 지극히 정적인 단계로 침잠시켜 공명을 유도하는 양태를 취한다. 그것은 때로 언어적이지 않으나 휘도는 에너지를 담지하고 가끔은 현존의 자각을 선험하게 하는 것으로, 내면에 놓인 존재성을 구현하기 위한 보이지 않는 심리적 여정을 목도하게 한다. 그러면서도 지적 명확성을 확연하게 이끄는 화면은 충동이나 욕망과 싸우는 과정 혹은 현실에서의 비움과 채움을 사려 깊게 통제하거나 무언가의 결핍을 읽도록 한다.
흥미로운 건 작가 최승희의 작업 역시 나이테를 두르듯 화사(畵史)의 누적에 따른 고유의 색깔이 점차 진해지고 있다는 사실이다. 이와 같은 해석이 가능한 것은 다시 회화로 회귀한(앞서도 언급했듯, 이전 작업은 사진을 이용한 것이었고, 그에 앞선 시기엔 다양한 설치작품들도 선보인바 있다.) 이번 작품들을 통해 자신의 작품에 대한 미적 태도와 고유의 미적 가치, 그리고 그 미학적 범위가 어느 선에서 위치하고 있는지를 가늠할 수 있도록 한다는 점 때문이며 작업 초기의 극적 몰입이 비로소 다시 구현되고 있는 탓에 기인한다.
2014년과 2015년을 오가는 근작들은 역사의 강물 속에서 홀로 유영해야만 하는 삶, 그 하나하나의 삶의 편린이 모여 개인적 서사가 형성되고, 예술인과 현실인으로써의 삶에 드리운 억압과 분출의 기로에서 적절히 균형 있게 존재하며 스스로를 보여준다. 단순화된 붓질 속에 담겨진 이것에서 지각되는 건 없으나 그렇게 주체적 개념들을 투영하고 일상을 개입시켜 자신만의 조형성을 창발시키고 있다는 사실은 주목의 대상이다. 왜냐하면 이는 상(狀)을 기호화한 이전 사진작업과는 매우 다른 양상이기 때문인데, 객체화된 형상으로 구현되는 것들에서 이탈해 주관적인 기억들과 감정들을 배어 놓곤 시간의 추에 ‘순간의 지연’을 올려놓고 있다는 점에서 확연한 차이가 있다. 그렇게 해서 작명된 것이 <전습법>, <들숨날숨> 등의 시리즈이다.
6. 이 중 <전습법>이 즉흥적 충동의 내연성을 지닌다면 <들숨날숨>은 마치 굳이 숨겨져 있을 이유는 없으나 그렇다고 공연성을 필요로 하지 않는 내레이션을 찰나의 과정 속에 담고 있는 것처럼 다가온다. <전습법>이 순간적인 표현을 통해 자신의 내부를 들여다보고 그동안 스스로를 지탱시켜온 에너지, 자아와 연관된 표출의식임을 포괄적으로, 충동적으로 속기된다면 두 상황을 하나의 화면 속에 대비-안착시켜놓은 <들숨날숨>은 그동안 우회해온 작가의식이 새롭게 꿈틀거리고 있음을 엿보게 한다. 구체적으로 그것은 자신의 감정을 있는 그대로 드러내지 못하는 강박 혹은 구속 상태를 은유하는 상태를 지정하며, <전습법>과 자연스럽게 이어진 채 완성의 길을 튼다.
최승희의 근작들은 이미지의 채록이자 삶의 반영이라는 큰 형질은 오늘날의 작업에도 유효하지만 작가의 관점이 대상의 기록에서 심리적 기제로 전치되고 있다는 것에서 이전 연작들과 거리감이 있다. 특히 그 어느 때보다 수면 아래 놓여 있던 ‘자신’이 비로소 전면에 부상하고 있다는 것은 매우 유의미하다. ‘나’를 대하는 방식이 달라졌음을 지정할 뿐만 아니라, 그의 예술사에 있어서 또한 비로소 커다란 전환기에 접어들었음을 가리키기 때문이다.
2015년 근작들은 나른한 여백보다는 실제성으로 인한 실존성이 부각되고 있는 게 특징이다. 그 속에는 기억이 있고 심리적 부산물들이 부유하고 있으며 사회 및 정서적 연민과 고민, 대상과 현상에 대한 작가의 날카로운 감각이 녹아 있다. 간헐적으로 드러나는 생생한 색채와 두터운 질감, 행위를 예술의 한 방법으로 전이시킨 감각의 세계가 내적 이상과 자유롭게 오버랩 되는 표현이 그의 회화양식을 규정짓는 요소로도 규정 가능하다. 하지만 그건 어디까지나 하나의 장막일 뿐, 유동적인 미 대신 견고한 구축성이 우선하는 것, 화려하지 않으나 깊이가 존재하는 검은 화면, 그리고 그 사이로 비치는 색깔은 작가 인식의 상태로써 발현되지만 균열을 일으키는 일상의 목도가 색채의 감수성으로 재구성되고 있다는 것이야말로 그의 작업이 지닌 특징이다.
사실 작가에게 있어 그림이란 타자의 시선에 멈춰진 이미지들의 향연이 아닌, 어디까지나 마음속 어딘가에 감춰져 있는 이야기를 전달하기 위한 창의적 조어이다. 예술의 가치란 형상을 포함한 다양한 회화적인 요소들을 포함한 부수적 가치로 정의되기 보단 그것이 본질을 이끄는 통로와 교체되어야 하고, 자신의 내부에 존재하는 실존의 가치에 의미를 두는 것이 마땅하다. 물론 작가도 이에 대한 응답을 내부로부터 하달 받고 있음이 틀림없다.
아무튼 필자의 시각에 그의 그림은 작가 자신이 추구하는 삶과 관련된 다양한 것들을 밀도 있게 연결해주는 소통의 다른 표현으로써 기능한다. 또한 욕망하는 인간의 체취, 그리고 복잡한 인간 심리(실제로 심리전문가로써의 작가를 생각하면 그릇된 판단도 아닐 것이다.)를 제한하는 요소에 대한 반등으로서의 양식으로 남는다. 그런 관점에서 보면 그의 그림들은 궁극적으로 자아와의 문제를 다루고 있음이며, ‘나’를 중심으로 한 세계를 묵시적으로 나타내는 상징임을 알 수 있다.
홍경한(미술평론가)
[최승희 작품이미지]
<최승희_pathos(163001), 91x73cm, mixed media on canvas, 2020>
<최승희_pathos(192001), 53x45.5cm, mixed media on canvas, 2019>
한영
학력
1991 파리 국립VIII 대학 조형예술과 석사과정 졸업
1987 파리 국립미술학교 서양화과 졸업
1985 파리국립미술학교 뎃생과 졸업.
전시회
2021 16인 작가의 외출, 갤러리나우, 서울
2019 개인전, AB 갤러리, 서울
2018 개인전, 이마주 갤러리, 서울
2016 개인전, 갤러리 반디 트라소, 서울
2013 갤러리 유저, 서울
2010 한영, 유선태 2인전, 갤러리 반디 트라소, 서울
1995 개인전, 갤러리 이콘, 서울
1993 개인전, Gallery Pluto, 벨기에
평화전, 박영덕 갤러리, 서울
1992 개인전, Grand Mass des Beaux-arts, 프랑스
1991 개인전, 예술의 전당 미술관, 서울
1990 개인전, Grand Mass des Beaux-arts, 프랑스
Salon de Mont rouge, 몽루즈 조형예술관, 프랑스
1986 Kobe 유니버시아전, 고베, 일본
Celle Saint-cloud 전, 셀 생클루 조형미술관, 프랑스
1985 Salon de la Jeune peinture, Grand Palais, 프랑스
한국청년작가전, 파리 한국 문화원, 프랑스
[평론글]
추상작업은 표현과 형상화를 위해 캔버스라는 닫힌 공간 안에서 이루어지기 때문에 유감스럽게도 되풀이적인 표현에 빠지기 쉬운 다루기 힘든 예술이다. 여기엔 영원불멸의 형상이란 없으며, 형상을 생성해내는 수많은 상상력과 탐험하며 창조해야할 영역만이 있을 뿐이다. 그러므로 페인팅이라는 이런 진정한 탐구 속에 열정적으로 투신하기 위해서는 시각의 모험을 체험하려는 절대적인 취향이 필요한 것이다.
한영은 아름다운 방식으로 바로 그런 실험의 모험을 하고 있다. 이 작가의 작업은 몸짓의 표현을 통하여 캔버스의 깊숙한 곳을 탐험하며 완전히 개성적인 세계를 드러내고 있다. “내가 추구하며 찾는 것은 형태(Forme)이며 캔버스마다 다르게 나를 투영하고 싶다.” 그의 말처럼 한영은 고정관념이나 시험적인 사고 없이 손이 움직이는 대로 생각이 흐르는 대로 캔버스에 자신을 쏟아낸다.
Philippe Carteron(비평가)
한영의 작품을 접하면서 음악 못지않게 회화 역시 인간의 보편적인 감정이나 의사를 전달하는 수단이 아닐까 하는 생각을 가진다. 즉 그녀의 회화는 소통을 합목적적으로 꾀하고 있다는 것이다. 한영의 작품은 자기 투영에 두면서 인간의 원초적인 본능과 관련시킨다. 따라서 그녀의 회화 행위는 자신의 흔적을 남기려는 본능적인 충동에서 일어나며, 이 경우 그러한 본능충동은 무형의 공간에 대한 도전으로 나타난다.
즉흥성에 맡겨 심정세계를 표출한다는 것은 이미 예사로운 일이 되어버렸지만, 회화 자체가 자아표현의 기표라는 사실은 회화에서 지울래야 지울 수 없는 ‘지문’과 같은 것이라는 생각도 떨쳐버릴 수 없다. 즉 삶의 인식, 체험, 실천에서 배어나와 우리의 마음 어느 곳에 앙금처럼 가라앉아 있을 정서를 외면하거나 체험하는 회화란 있을 수 없으며, 그리하여 소박한 의미에서 작가는 ‘영상적 일기’ 처럼 매일 매일의, 또는 순간적의 느낌을 기술하는 온전한 매체에 다름 아닌 것으로 간주한다. 한영의 ‘영상일기’는 단숨에 그려지기 때문에 그녀의 작품에서는 순발력과 우연성, 그리고 즉흥성의 깊이가 요구된다.
서성록(비평가)
[한영 작품이미지]
<한영_노란새, 61x46cm, Acrylic on canvas, 2021>
<한영_열락, 53x65cm, Acrylic on canvas, 2021>
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