| 이이남 개인전 <별과 같이 영원토록 비추리라> 갤러리나우
앤디워홀 연구_마를린 먼로, LED,single-channel video,color, 2022 (스틸컷)
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이이남 개인전 <별과 같이 영원토록 비추리라>
2022년 09월 16일(금)-10월 04일(화) (일,월요일 휴무)
2022년 09월 16일(금) 4~6pm
10am~7pm
서울시 강남구 언주로 152길 16 갤러리나우
02-725-2930 / gallerynow@hanmail.net
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[전시서문]
갤러리나우는 디지털 기술과 동서양 고전을 접목한 미디어 아트로 주목받으며 자신의 지평을 넓혀온 작가 이이남의 개인전 <”별과 같이 영원토록 비추리라”>를 9월 16일부터 10월 4일까지 개최한다.
그동안 이이남 작업을 영상으로 만났다면 이번 전시에서는 처음 보여주는 그의 슈퍼미러위의 페인팅 작업을 볼 수 있는 전시이다. 또한 같은 이미지를 페인팅으로, 또 영상으로 동시에 보여주기도 한다. 그의 영상에서는 그가 명화를 패러디 하여 직접 그린 페인팅 작업을 영상화한 작업도 동시에 보여주는데 두점의 페인팅 작품이 동영상에서 붓터치를 통해 두개의 이미지가 만나면서 교차 된다. 영상 안에서 두개의 이미지는 미끄러지면서 직접 만나지지는 않으나 관람자에게는 두개의 이미지를 모두 감상하고 교감하게 되는 묘한 시공감 욕구를 충족 시켜준다. 또 한가지 방식은 슈퍼미러 위에 직접 유화물감으로 그린 평면작품도 볼 수 있다. 동영상에서 두개의 명화가 만난다면 미러 위의 그림에서는 작가의 작품 안에 관람자 혹은 공간이 비추임으로 관객이 작품 안으로 들어가서 직접 관여하게 유도된다. 즉 관객이나 공간이 작품에 비추이므로 정과 동이 만나고, 픽션과 넌픽션이 만나고, 관념과 현실이 만나는 체험을 하게 한다.
동시에 명화를 재구성하는 작업 방식의 연장선 위에 팝아트와 고전 작품 속에서 그만의 아이콘이 등장한다. ‘비운의 삶을 살아온 팝스타가 생의 마감 이후에도 예술과 산업의 다양한 영역에서 여전히 소비되며 동시에 사랑받는 모습을 통해 소비와 생명의 경계선상에서 영원한 것은 무엇인지 고민한다” 고 말하고 있듯이 삶과 죽음, 그리고 죽음 이후에도 대중들이 열광하는 스타… 이렇게 우리 눈에 보이는 것들 가운데 ‘진짜 별(스타)은 어디에 있는것일까’ 를 묻는 전시이다. 보이는 것이 전부는 아니다. 우리는 영원히 사라지지 않을 별을 찾아가야 한다는 그의 소망의 표현이다.
이번 전시는 8점의 영상 작품과 7점의 미러 또는 스테인레스 스틸 페인팅 작품, 30cm 정방 크기의 디아섹프린트 85점을 5cm간격으로 배치한 그라데이션 벽면 대형 작업으로 구성된다.
인간의 현실을 포착하고자 하는 열망에서 비롯된 결과물은 회화에서 사진, 영상, 그리고 ai까지 그 매체의 범위가 확장되어 왔다. 그의 작업에서는 ‘현재’와 ‘사실’에 대한 집착이 낳은 결과물로서의 ‘영상’이 아이러니하게도 시각적으로 재구성되어 픽션의 서사를 만들어내는 도구로 활용된다. 이러한 맥락에서 작가의 작품에 등장하는 명화는 원작으로서의 아우라를 벗고 완전히 새로운 의미 선상에 놓인 채 원본과 복제에 관한 본질적인 질문을 던지며, 본래의 이미지가 가진 맥락과는 다른 맥락의 접근을 가능하게 하여 폭넓은 해석의 세계를 열어왔다.
이이남의 작품에서 일관성 있게 드러나는 소재는 다양한 형식과 내용, 방법에 있어서의 ‘대비’라고 표현할 수 있다. 아날로그와 디지털, 동양과 서양, 고전과 현대, 정신과 물질, 시간과 공간, 정지와 움직임 등 세상에 반대 급부에 존재하는 명제를 하나의 화면에 보여주고자 했던 작가에게 있어서 디지털 이용한 아트는 그의 예술적 이상을 실현하기 위한 완벽한 공간이었다. 작품은 동시에 존재할 수 없는 정반의 상징들을 뒤섞고 교차시키며 시각적 쾌락을 제공하는데 이는 이질적이면서도 낯선 조화로움을 보여주는 동시에 이분화된 고정적인 관점을 교묘히 파괴하여 새로운 미감을 경험하게 한다.
대학에서 조각을 전공한 이이남 작가는 1990년대말 애니메이션 작업을 시작으로 2000년대 SK텔레콤 애니메이션 공모전에서의 대상 수상으로 이름을 알렸다. 이후 그의 트레이드마크가 되는 명화를 재구성한 작품 ‘‘신-금강전도’, ‘박연폭포’, ‘인왕제색도-사계’ 를 이어 선보이면서 ‘디지털과 고전의 만남’ 이라는 화두 아래 대중에게 친숙한 동·서양 명화들을 재해석한 영상 작업을 본격화하였다. 액자로 위장된 모니터에 상영되는 작업들은 작가의 상상력을 토대로 기존 명화들에 움직임의 요소를 부여하거나 다른 이미지와 혼합하기도 하면서 전혀 다른 작품으로 재창조한 것이다. 이렇듯 명화 속 이미지의 재구성에 집중하던 이이남은 최근 점차 외연의 다양한 표현 방식의 하나로 붓자국과 같은 페인팅의 효과들을 작품에 등장시키며 그 내러티브를 확장해오고 있다.
이번 전시 제목 “별과 같이 영원토록 비추리라”는 사후에도 예술 외 다양한 영역에서 소비되어 사랑받는 명화 속 아이콘을 통해 본 ‘영원함에 대한 갈망’을 주제로 한 작가의 시적인 표현이다. ‘영원함’의 가치는 ‘영원하지 않음’을 전제로 하고, ‘영원함’의 가치를 최대한 간직하고자 하는 매개를 필요로 한다. 전시에서 보여주는 화면 속의 빛나는 오브제로 장식된 <앤디워홀 연구_마를린 먼로>, <진주귀걸이를 한 소녀>는 시간이 지나도 영원함의 가치를 잃지 않기를 바라고, 최대한 빛나는 순간을 간직하고 싶은 이의 마음을 대변한다. 영상 작업에서는 마릴린 먼로의 점이 다이아몬드로 변화되어 표현되고, 디아섹 프린팅 작업 ‘진주귀걸이를 한 소녀’에서는 디지털 빛으로 덧입혀져 디지털의 기술을 통해 다양하게 복제되며 다채로운 컬러로 그라데이션되어 시각화된다. 이 그라데이션 장치는 박제된 시간에서 드디어 해방되는 순간을 의미한다. 작가는 전시를 통해 세상 모든 존재는 소멸되지만, 여전히 기억되고 살아있는 모든 것들을 디지털의 빛으로 담아 별과 같이 영원토록 비추는 ‘영원함’을 말하고자 한다.
[작가노트]
“별과 같이 영원토록 비추리라”
별은 대중의 스타로 불리기도 하고 누군가의 소망으로, 영원함의 상징으로 기억된다.
한 시대를 대표한 팝스타 ‘마릴린 먼로’! 비운의 삶을 살아온 팝스타가 생의 마감 이후에도 예술과 산업의 다양한 영역에서 여전히 소비되며 동시에 사랑받는 모습을 통해 소비와 생명의 경계선상에서 영원한 것은 무엇인지 고민한다.
모든 것은 소모되고 소비되고 사라지기에 영원함은 더 가치가 있다. 한 시대를 풍미했던 팝스타, 고전부터 시대를 초월하며 사랑받는 명화 ‘진주귀걸이를 한 소녀’, 삶과 죽음을 의미하는 ‘바니타스’가 어울려 유한함과 영원에 대한 대비를 이룬다.
인간은 유한하고 사라져가기에 더욱 영원함을 갈망한다.
보석과 명품으로 장식된 ‘마릴린 먼로’, ‘진주귀걸이를 한 소녀’는 화려한 장식으로 변화하여 시간이 지나도 영원토록 기억되고 사랑받기를 갈망하는 모든 이의 마음을 대변한다. 마릴린 먼로의 점이 다이아몬드로 변화되어 얼굴의 다양한 위치로 옮겨 다니는 모습은 현대인의 다양한 모습을 연상시킨다.
빛과 어둠의 절묘한 조화를 극적으로 보여주는 ‘진주귀걸이를 한 소녀’는 디지털 빛으로 덧입혀져 현대적으로 소생한다.
디지털의 기술을 통해 다양하게 복제되며 다채로운 컬러로 그라데이션 되는 것은 박제된 시간에서 드디어 해방되는 순간이다.
영원은 생명이다. 모든 것은 사라지고 소멸되어 갈 것이다. 하지만 여전히 기억되고 살아있는 모든 것들을 디지털의 빛으로 담아 별과 같이 영원토록 비추는 영원함을 전하고자 한다.
[작가소개]
이이남 LEE LEE NAM (b. 1969)
80회 개인전, 800여회 국, 내외 주요 미술관 및 비엔날레 전시를 통해 독창적인 미디어아트 세계 구축
조선대학교 대학원에서 미술학 박사를 받았고 연세대학교 커뮤니케이션 대학원에서 영상예술학 박사과정을 수료했다. 2011년 아트센터나비에서의 개인전을 시작으로 말레이시아, 중국, 미국, 러시아, 독일, 벨기에 등 국내외 여러 곳에서 개인전을 개최하였고, 단체전에 참여하였다. 국립중앙박물관, 국립현대미슬관, 미국 토마 파운데이션, 아시아 미술관, 예일대학교, 벨기에 지브라스트라트 미술관 등 세계 주요기관에 작품이 소장되어 있다.
미디어아티스트 이이남은 디지털을 매개로 당대의 고전회화를 현대적인 관점과 이슈, 문화들을 접목하여 재해석 한다. 또한 자신의 이야기를 작품 속에 담아 대중과 친밀하게 소통하고, 삶의 가치와 행복 등 다양한 메시지를 교감하는 작업을 추구한다. 그의 작품은 한 작품에 5분 이상 멈추게 한다는 ‘5분의 미학’으로도 유명하다.
현대 과학과 테크놀로지의 발달은 문화 간의 교류와 의식의 변화를 가져왔다. 특히 인간의 미디어 활용은 정치와 문화 그리고 테크놀로지와 결합된 새로운 예술을 구현을 가능하게 하였다. 이이남은 ’디지털이라는 무기‘를 가지고 우리의 상상력과 감각의 새로운 영역을 열고 있다.
- 이이남 스튜디오
[평론]
베른하르트 제렉스(Bernhard SEREXHE)/미술사학자·ZKM 수석 큐레이터
이이남의 작품과 나의 첫 만남은 2007년 6월 15일부터 10월 동안 독일 칼스루에의 예술과 미디어 기술 센터에서 큐레이터 이원일씨가 기획한 Thermocline of Art: New Asian Waves 전시에서 이루어졌는데 내게는 뜻밖의 놀라움이었고 잊지못할 경험이었다. 총 8개 나무틀로 프레임된 스크린으로 구성된 커다란 병풍은 한국 전통 수묵화의 친근한 자연의 테마를 선보였다. 풍경, 눈으로 덮인 나무가지, 꽃잎이 핀 가지, 연못 안의 다채로운 고기들, 그리고 내가 읽을 수 없었던 아래 위로 움직이던 한글 문자들. 작품을 명상하던 중, 나는 언뜻 작품 속에서 약간의 움직임을 인식하게 되었고, 처음엔 거슬렸었다. 수많은 눈송이가 끊임없이 천천히 떨어지고 나비들의 날개가 퍼덕거리기도 하고 물고기가 조용히 헤엄쳐 다니고 꽃이 바람에 잔잔히 흔들리기도 했다. 작고 다채로운 새들이 병풍의 나무프레임에 구속받지 않고 스크린을 넘나들면서 날아다녔다. 가까이 관찰하니 작품 속에는 만물의 창조와 파괴의 끊임없는 순환이 묘사되어 있었다. 하지만 이것은 이미 우리에게 길들여진 관람 습관에 어긋나는 것이기에 내게는 의외의 놀라움이었다. 회화와 그림은 움직이지 않는다. 움직임은 영화, 비디오, 애니메이션 안에나 있는 것이다. 그 순간 난 병풍의 각 패널들이 평면 비디오 화면 모니터였고 작가는 아주 옛 것의 모티브와 최신의 기술과의 매혹적인 조합을 만들어 냄을 깨달았다.
“꿈 꾸던 내용을 실현시키는데 미디어 아트가 맞는 매체인가?“ 라는 질문에 이이남이 대답하길, “과거엔 조각 작품을 했었는데 조각이란 매체로 작품의 의도를 표현하는데 한계를 느꼈다. 얼마 후 미디어 아트를 접하게 됐는데 그동안 느꼈던 한계를 극복할 수 있었다...내가 꿈꾸고 상상했던 내용들을 내 생각과 가깝게 실현을 시켜주었다.“ (비디오 인터뷰, 코리아 아티스트 프로젝트, 2011)
한국인 아티스트 이이남은 1969년 담양에서 태어났다. 그는 광주에서 조각을 공부하고 1995년에 미술학사 학위를 취득하였다. 그 후, 전통 뿐만 아니라 새로운 기법과 소재를 배우고 그의 매혹적인 작품들이 수많은 개인전과 그룹전을 통해 국제적인 환호를 받으며 전시되는 등. 굵은 창작 기간을 거친 그가 계속해 미술을 공부하고자 2011년 서울에서 연세대학교 커뮤니케이션대학원 영상예술학 박사과정을 수료, 2013년에는 광주에서 조선대학교 대학원 미술학 박사과정까지 마쳤다. 변함없이 광주에서 몸을 담고 작업하고 있는 이이남은 다수의 수상 경력이 있으며 그의 작품은 50여개가 넘는 중요한 컬렉션에서 소장하고 있다.
광주 도시는 대한민국의 민주적, 문화적 혁신의 표본이라 말할 수 있지만 이 도시에서 거주하고 작업하고 있는 많은 예술가들은 뉴미디어를 창의적으로 사용해 새로운 시도를 하고있으며 한국의 전통도 유지하고 있다. 화가와 조각가들이 새로운 소재와 기법에 관심을 돌릴 때 컴퓨터와 비디오 모니터 이미지를 통해 구현 할 수 있는 무한한 가능성을 발견하고는 경우에 따라 조금 다르겠지만 보통 결과적으론 자신의 매체로 도입한다. 비디오아트의 선구자인 한국인 백남준을 뒤이어 1970년 초반부터 많은 한국 예술가들이 한국의 전통을 담은 특유한 미디어 아트를 발견했다. 그 중 제일 창의적이고 오리지널 한 아티스트는 이이남이다.
15세기 조선 초기 화가 안견이 당시 시대의 수묵 담채로 한지에 멋진 산수화를 그려낸 것처럼 이이남과 같은 현대미술가들은 오늘날의 기술과 삶의 방식을 반영하는 매체를 사용하여 창작한다. 이 말은 결코 옛 거장들의 전통과 그림 주제가 사라졌다는 뜻이 아니다. 반대로 그 거장들은 오늘날의 매체를 통해 재방문, 재해석되고 탈바꿈하고 있다. 미술은 전통을 다시 거론하고 이러한 전통을 깨면서 발전해 나간다. 이러한 발전은 시대를 막론하고 인쇄, 사진 , 전자공학 등 당시에 등장한 혁신적인 기술로 인해 이루어졌고 특정 예술가 세대의 창의적 영역을 넓히는데 기여 했다. 이것은 특히 지난 수십 년간 세상을 변화시키고 있는 디지털 기술을 두고 말할 수 있다.
글로벌시대로 인해 기술적으로나 사회적으로 급속히 성장되는 현황에 미술계의 핵심 이론과 실습이 재평가되고 있고 전통적인 기준도 의문으로 제기되고 있다. 이렇게 뿌리에서부터 근거를 찾아내려는 이유는 디지털 도구와 전송 매체의 번영이 예술계의 생산과 유통의 흐름을 근본적으로 바꿔 놓았기 때문이다. 지난 오십 년 동안 창작된 미디어아트 작품들은 대충 분류된 알만한 장르의 컨셉에서 벗어난다. 20세기 초반부터 아트 기법의 발달과 함께 시작된 새로운 소재/매체의 도입 현상을 넘어선 디지털아트의 성장은 특히 1960년대 때부터 신개념의 예술적 저작과 관객들/이용자들이 작품을 접하고 이해하는데 새로운 방식을 이끌어냈다.
공공의 장소는 이제 공공 건축의 내부를 떠나 도심 속 야외로 라디오와 TV의 채널만이 아닌 곧 언제든 어디에나 정보 이용이 가능한 세계적인 공간을 통해 뻗쳐 나간다. 점점 추세에 떠밀려 높아지는 사회의 기대치와 함께 예술 제작 방식의 잇따른 진화는 전시기획 중 발생하는 예기치 않은 문제들과 아직 상상하지도 못한 가능성에 대해 박물관, 컬렉션, 큐레이터, 그리고 보존자들에게 대항한다.
수십년 전, 정보와 통신의 개인화와 세계화를 겨냥한 원대한 기술과 사회적인 비전을 거론할 때 “뉴미디어”라는 그럴듯하게 포장된 용어가 사용되었었다. 누구든지 실시간에 지구 어디에든 그 어느 누구랑 접속할 수 있다는 상상이었다. 장소와 상관없이 누구든 무료로 모든 세계의 정보를 손에 넣을 수 있다는 말이다. 하지만 전 세계적으로 연결된 통신망과 소통이 유일하게 결실을 맺을 거라는 (향후 마케팅 용어론 “최 고속 정보 통신망”이라 칭함) 기대 속에도 내재된 전체화 경향이 생길 위험의 잠재성은 인식되었고, 날카롭게 지적되었다.
한때 자신을 “뉴미디어 아티스트”라 칭한 이이남 역시 이러한 사회적 변화에 대응하고있다. 작가노트 내용 중 그는 “우리는 모든 것이 이분화, 양극화 되어 조화를 잃어버린 암흑시대에 살고있다“ 라고 단정한다. 이어 그는 자신의 작품 속에서 “어떻게 물질(디지털)과 정신(아날로그)이 분리되지 않고 조화를 이룰 수 있을지 가능성을 고민하였다” 라고 말한다. 만일 그의 풍부하고 다양한 스케일을 자랑하는 작품들을 전부 한눈에 볼 수 있다면 그의 작품 주제가 늘 동양과 유럽의 유명한 거장들의 회화에서부터 온다는 것을 즉시 알아차릴 수 있다. 그는 대대로 세계 미술사학에 등장하는 전세계 유명 미술관이 소장하고 있는, 국경을 넘어 우리의 집단적 문화 기억 속에 남겨져 있는 명화와 조각들을 선택한다. 이런 미술의 세계화 과정 속에서 디지털화와 전자통신망을 통한 재빠른 보급은 큰 역할을 하고 있다.
그의 비디오 작품 속에서 이이남은 디지털 이미지 프로세싱을 통한 고정 상태의 그림이 움직이게 하는 기적을 선사한다. 이것은 착시현상이 아닌 움직이는 픽셀계의 복합적인 디지털 재현과 부활 이다. 고화질 비디오 모니터 위에 원작의 복잡한 시뮬라르크를 자아낸다. 거의 마술적인 창작 속에서 작가는 원작에 생명과 움직임을 불러 일으키면서 다시금 우리의 관심을 끄는데 성공한다. 이이남은 자신의 상상에 자유를 주고 그 어떠한 낯설음도 두려워하지 않음으로써 미술사학의 우상과 무비판적으로 숭배 받는 대중문학의 아트 아이콘에게 특유의 풍자를 부여한다.
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